Im Rahmen der Reihe „fokus sammlung“, in der regelmäßig thematische Ausstellungen aus den Beständen der Kunstsammlung des Landes Kärnten/MMKK gezeigt werden, widmet sich das Museum Moderner Kunst Kärnten nun, nachdem die großen Themen der Malerei – Landschaft, Menschenbild, Tierdarstellung und Stillleben – bereits in Ausstellungen und Publikationen abgehandelt wurden, dem umfassenden und heterogenen Bereich des Abstrakten. Die ungegenständliche Kunst, die bedeutende Innovation des 20. Jahrhunderts, lässt sich in zwei Möglichkeitsformen unterscheiden: die geometrisch-konstruktive und die lyrisch-gestische Variante.

In einem ersten Teil werden in einer Schau mit dem Untertitel „Geometrie und Konzept“ Positionen zusammengefasst, die sich auf die systematische Auseinandersetzung mit Farbe, Form, Fläche und Raum beziehen, auf einem logisch-mathematischen Prinzip beruhen und sich eines minimalistischen bildnerischen Vokabulars bedienen, das auf geometrische Elementarformen sowie eine reduzierte Farbigkeit beschränkt ist und damit im Nachhall der stilbildenden Strömungen von Konstruktivismus und Konkreter Kunst (der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts) wie den darauf folgenden Entwicklungen von amerikanischer Farbfeldmalerei, Minimal und Optical Art sowie konzeptueller Tendenzen stehen.

Obzwar es in der österreichischen Kunst im Bereich der Geometrischen Abstraktion im vergangenen Jahrhundert keine stringente, durchschlagskräftige Bewegung gab und die österreichischen Künstler:innen nicht an der Entwicklungsspitze des Genres zu finden waren, tauchen punktuell immer wieder hervorragende Einzelleistungen im Kunst- und Ausstellungsbetrieb auf, von denen so manche auch Eingang in die Sammlung des MMKK gefunden haben. Aus diesem Fundus können wir heute schöpfen und haben für die Ausstellung Werke von namhaften Künstlerinnen und Künstlern versammelt, wie zum Beispiel von Karl Hikade, Hermann Josef Painitz, Heimo Zobernig, Josef Dabernig, Esther Stocker, Martina Steckholzer, Thomas Baumann, Luisa Kasalicky, Manuel Knapp, Roland Kollnitz, Suse Krawagna, Sabina Hörtner oder Mar Vicente und von vielen anderen mehr.

Michael Kos ist 1963 in Villach geboren und hat von 1986 bis 1991 in Wien an der Universität für angewandte Kunst bei Peter Weibel studiert. Heute lebt und arbeitet der Künstler in Wien und Retz in Niederösterreich.

Michael Kos führt in seinem Œuvre Fragestellungen von Kunst, Politik, Gesellschaft, Religion, Wirtschaft und Moral zusammen. Seine künstlerische Intention ist eine aufklärend-kritische. Immer wieder werden auf der Basis eines politischen Subtextes Aspekte der sozialen Wirklichkeit analysiert. Der künstlerische Gestaltungswille folgt einer konzeptuellen bildhauerischen Praxis. Das Plastische, das Konstruieren und Bauen, Material und Raum sind zentrale Kategorien der Arbeit. Dabei sind die künstlerischen Handlungen oft knapp gesetzt, und die Methoden sind unspektakulär und einfach. Die Aussage bedarf keiner komplizierten, vielmehr einer prägnanten Gestalt. Von dieser Praxis ist auch die Arbeit in der Burgkapelle geleitet. Mithilfe eines minimalistischen Vokabulars und sprachlicher Zeichen, entsteht ein nüchterner, weißer, geometrischer Raum im Raum, der den Opfern der Flüchtlingstragödie, die sich im August 2015 bei Parndorf im Burgenland ereignet hat, gewidmet ist. Als 71 Menschen aus Syrien, dem Irak und Iran in einem versperrten Kühllastwagen, auf dem Weg nach Österreich, qualvoll erstickt sind. Michael Kos schafft eine Installation, die nicht nur eine immer noch unbewältigte, dringlich-virulente Problematik in Erinnerung ruft, die in Zeiten der Pandemie etwas aus dem gesellschaftspolitischen Fokus geraten ist, sondern die zugleich, als künstlerische Installation in der ehemaligen barocken Kapelle – in der Konfrontation mit den situativen räumlichen Verhältnissen wie inhaltlichen Bestimmungen des christlichen Sakralraums – zu einem Objekt vielfältiger Reflexionen wird.

Micha Payer, 1979 in Wolfsberg, Kärnten, und Martin Gabriel, 1976 in Linz geboren, bilden seit dem Jahr 2000 das Künstlerduo Payer Gabriel und leben heute gemeinsam in Wien. Beide studierten dort an der Schule für künstlerische Photographie bei Friedl Kubelka, an der Akademie der bildenden Künste bei Renée Green und an der Universität für angewandte Kunst bei Brigitte Kowanz, wo sie auch im Jahr 2006 ihr Diplom ablegten. Seither sind sie freischaffend tätig und haben an zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland teilgenommen, von Spanien über Frankreich, Iran, Russland und Polen bis China.

Payer Gabriel beschäftigen sich in ihrer künstlerischen Arbeit, deren Schwerpunkt auf der Zeichnung liegt, vor allem mit dem zivilisatorischen Dasein, seinen spezifischen Erscheinungen und seiner Vielschichtigkeit. „Was ist das große Ganze und wie funktioniert es?“, „Was unterscheidet eine Ordnung, die man nicht mehr überblickt, vom Chaos?“, das sind die Fragen, die sie sich im Hinblick auf eine Welt und ihre Strukturen und Gesetzmäßigkeiten, die sowohl für den Einzelnen als auch für die Gesellschaft zunehmend komplizierter werden, stellen. „Wir interessieren uns für eine Ästhetik der Komplexität, die wir durch Mittel der Variation und Wiederholung darzustellen versuchen, und fokussieren unter Verwendung dieser formalästhetischen Prinzipien unterschiedliche Natur- und Kulturphänomene, die unser Dasein prägen“, beschreiben sie selbst ihre künstlerische Auseinandersetzung, in der sie mit großer Akribie und geradezu wissenschaftlicher Strenge dem irritierenden Seins-Befund begegnen. „Unsere Bilder sind Aufzählungen ins Unendliche, ausgehend von einer Idee, einem Gegenstand oder einer Gegebenheit (…), Aufzählungen, die sich immer mehr ausdehnen, bis sich die Kategorien in ihrer losen und chaotischen Anordnung wie von selbst auflösen.“ In der Burgkapelle antworten Payer Gabriel der barocken Himmels-Illusion christlicher Prägung von Josef Ferdinand Fromiller mit einem irritierenden, profanen Konzept heutiger Drohnen-Schwärme als mehrdeutiges Symbol aktueller zeitgenössischer Bedingungen.

Die Ausstellung „BILDER EINER LANDSCHAFT. WOBRAZE KRAJINY. WOBRAZY KRAJINY. PODOBE POKRAJINE.“ ist ein Gemeinschaftsprojekt der Stiftung für das sorbische Volk mit dem sorbischen Museum Bautzen (D), der Koroška galerija likovnih umetnosti (Museum für moderne und zeitgenössische Kunst Koroška) in Slovenj Gradec (SI), dem Museum Moderner Kunst Kärnten in Klagenfurt (A) und dem Wendischen Museum Cottbus (D).

Insgesamt 12 Künstlerinnen und Künstler, jeweils vier aus den drei Teilnehmerländern, setzen sich in ihren Arbeiten mit interkulturellen und interdisziplinären Entwicklungsprozessen der Landschaft und Kultur auseinander. Die individuelle Wahrnehmung von Landschaft und ihren Veränderungen steht in engem Zusammenhang mit der Produktion von bildkünstlerischen Werken, literarischen Wortbildern und musikalischen Klangbildern. „Landschaften werden zu Energieträgern, deren Abbilder zu Ideenträgern“, so der Kärntner Slowene Karl Vouk in seiner Einführung zum gemeinsamen Kulturprojekt. Landschaften sind als Teil des kollektiven Gedächtnisses anzusehen. In ihnen wurzeln nationale und kulturelle Identitäten.

Die ausgewählten Kunstwerke der Ausstellung fordern auf, sich mit diesen Abbildern zu identifizieren, Wandlungsprozesse wahrzunehmen und gegebenenfalls in Frage zu stellen. Immer der Tatsache bewusst, dass die jeweiligen Wahrnehmungs- und Beurteilungsqualitäten Bezugspunkten unterworfen sind, die sich gemäß wechselnder Perspektiven verändern können. So entsteht für die Besucherinnen und Besucher ein Spannungsbogen, der einerseits spezifische Problematiken sichtbar macht und andererseits die Übergänge von Landschaft, Kultur und Gesellschaft unterstreicht.

Künstler:innen Nika Autor (SI), Iris Brakatschk (D), Jost Franko (SI), IRWIN (SI), Michael Kruscha (D), Marko Lipuš (A), Zorka L-Weiss (A), Melitta Moschik (A), Marko Peljhan (SI), Frauke Rahr (D), Hella Stoletzki (D), Karl Vouk (A)

Die Ausstellung wird von einer umfangreichen Publikation in deutscher, sorbischer und slowenischer Sprache begleitet.

Bei der Ausstellung Touch Wood handelt es sich um ein Kooperationsprojekt von Littmann Kulturprojekte, Museum Moderner Kunst Kärnten und Stadtgalerie Klagenfurt, die korrespondierend zur Kunstintervention For Forest im Klagenfurter Stadion an den beiden Ausstellungsorten Stadtgalerie Klagenfurt und Museum Moderner Kunst Kärnten/MMKK präsentiert wird.

In einer umfangreichen Schau werden die vielfältigen Motive und Aspekte der künstlerischen Auseinandersetzung mit dem Wald als Thema der bildenden Kunst vorgestellt. Ausgehend in der Stadtgalerie von einer chronologischen, kunsthistorischen Aufbereitung des Themas anhand unterschiedlicher bildnerischer Werke aus den vergangenen rund 150 Jahren, größten Teils aus den eigenen Beständen der Kunstsammlung des Landes Kärnten/MMKK sowie der Stadt Klagenfurt stammend, wird die Brücke zu einer heterogenen Vielzahl von aktuellen, internationalen, zeitgenössischen Positionen sämtlicher medialer künstlerischer Ausdrucksmittel in der Stadtgalerie und im MMKK geschlagen. Die Arbeiten sind in vier Schwerpunktbereichen zusammengefasst, die sich auf den Zustand des Waldes beziehen, auf seine unterschiedlichen Möglichkeitsformen, die in Relation zum Menschen und seinen Interpretationen und Interaktionen stehen: als „Ur-Wald“, „Kultur-Wald“ und als ausgebeutete und zerstörte Natur, bis hin zu einer aktuellen Perspektive einer „Natur nach der Natur“.

Kuratiert wird die Ausstellung von Nora Leitgeb, Beatrix Obernosterer und Christine Wetzlinger-Grundnig. Begleitend erscheint ein Katalog in deutscher und englischer Sprache mit einem Vorwort von Nora Leitgeb, Beatrix Obernosterer und Christine Wetzlinger-Grundnig und Texten von Margit Stadlober und Ulrich Tragatschnig.

Götz Bury ist 1960 in Hamburg geboren und in Taxa, Bayern, aufgewachsen. Nach dem Besuch der Holzbildhauerschule München von 1983 bis 1986, führt er seine Ausbildung in Österreich fort, wo er sowohl Bildhauerei an der Hochschule für angewandte Kunst, als auch Philosophie an der Universität in Wien studiert. Nach einer Assistenz bei Franz West, setzt Bury sich von 1999 – 2002 als Vizepräsident der IG Bildende Kunst in Wien für die Interessen regionaler Künstlerkollegen ein. Seine Performances und Ausstellungen fanden bereits in Deutschland, der Schweiz und den USA Anklang, in Österreich ist er seit Anfang der Jahrtausendwende als fester Bestandteil der aktuellen Kunstszene, als Mittler zwischen Kunst und Humor, dauerhaft verankert.

Götz Burys künstlerisches Schaffen basiert auf der Frage nach Funktionalität und Prestigegehalt einzelner, meist alltäglicher oder sakral behafteter, Gebrauchsgegenstände. Als klassisch ausgebildeter Bildhauer arbeitet er dabei mit verschiedensten Materialien und Techniken, die sich ihm zu gegebenem Zeitpunkt darbieten. Die erzeugten Objekte werden in seinen begleitenden Performances wirksam, wo sie im Zusammenspiel mit dem Publikum ihren tieferen Sinn erschließen. In der Burgkapelle installiert Götz Bury seine Version einer Wunderkammer, und zwar in Form eines Schaubuffets, inspiriert von der ausladenden Prunkentfaltung des süddeutschen Barock. Dabei werden ausrangierte Alltagsgegenstände zweckentfremdet und zu sakral behafteten Heiligtümern umgeformt. Auf den ersten Blick durchaus mit Originalen zu verwechseln, konfrontiert Burys Werk die Besucher_innen mit der Frage von Schein und Sein. Zusätzlich zur Ausstellung werden die beiden Performances „Blaue Wunder“ und „In Fraktur gesprochen“ als begleitendes Programm in der Burgkapelle des Museums stattfinden.

Maria Lassnig und Arnulf Rainer zählen zu den erfolgreichsten Künstler:innen Österreichs. Lassnig würde heuer ihr 100. Lebensjahr begehen, Rainer feiert seinen 90. Geburtstag. Beide lernten sich 1948 in Klagenfurt kennen. Ihre gemeinsam verbrachten Jahre prägten ihr künstlerisches Werk grundlegend.

Die Ausstellung veranschaulicht künstlerische Annäherungen, aber auch jeweils individuelle Ausdrucksformen. In ihrem Frühwerk schufen sowohl Lassnig als auch Rainer surrealistische Zeichnungen. Ab 1951 reisten sie mehrmals gemeinsam nach Paris. Die neu aufkommenden informellen Tendenzen inspirierten sie zu völlig neuen Ausdrucksmöglichkeiten. Lassnig schuf bereits ab 1947 erste Körpergefühlszeichnungen, die sie Introspektive Erlebnisse nannte. Nach der Parisreise arbeitete sie an informellen Monotypien und nannte ihre Werke Amorphe Automatik, Statische Meditationen und Stumme Formen. Rainer verfasste nach seiner Rückkehr den theoretischen Text Malerei, um die Malerei zu verlassen. Er schuf Mikrostrukturen, Blindzeichnungen, Zentralisationen, Kruzifikationen und Vertikalgestaltungen. Sowohl Lassnigs Flächenteilungen als auch Rainers Proportionen liegen geometrische Ordnungsstrukturen zugrunde. Ab 1954 gingen die beiden definitiv eigene Wege. Während Rainer seine Übermalungen in Otto Mauers Galerie nächst St. Stephan ausstellte, zeigte Lassnig ihre Serie Kopfheiten in der Galerie Würthle.

Die Schau zählt etwa 120 Kunstwerke und wurde von zahlreichen Museen, Galerien und privaten Leihgeber:innen sowie der Maria Lassnig Stiftung unterstützt. Viele Arbeiten von Maria Lassnig sind erstmals seit über 50 Jahren zu sehen. Die Ausstellung entstand in Kooperation mit dem LENTOS Kunstmuseum Linz. Zur Ausstellung erscheint ein reich bebilderter Katalog im Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln. Mit einem Vorwort von Hemma Schmutz und Christine Wetzlinger-Grundnig, Texten von Monika Leisch-Kiesl, Natalie Lettner, Brigitte Reutner und Robert Fleck.

Gertrud Weiss-Richter, 1942 in Linz an der Donau geboren, studierte Malerei und Grafik an der Akademie der bildenden Künste Wien. Zahlreiche Aufenthalte im Ausland, wie beispielsweise in Paris, Los Angeles und New York, prägten durch verschiedenste Einflüsse das künstlerische Schaffen der Kärntnerin. Seit 1978 lebt und arbeitet sie in Klagenfurt.

Geometrie nimmt innerhalb des künstlerischen Œuvres von Gertrud Weiss-Richter eine hervorragende Stellung ein. Bereits während ihrer Studienzeit verfolgte die Künstlerin ein großes Interesse an der Architektur und setzte sich vorrangig mit geometrischen, architektonischen Formen auseinander. Ein herausragendes Themengebiet innerhalb ihres Gesamtkunstwerks bilden seit mehreren Jahren verschiedenste Aufstiegshilfen. Neben Stufen und Leitern rückt dabei insbesondere die Treppe als prägnantes Element in den Fokus ihrer Arbeit. In der Burgkapelle installiert Gertrud Weiss-Richter eine Himmelsstiege, welche durch die Burgkapelle als umgebenden Raum, den Fokus weg von der architektonischen Nutzfunktion und hin zum Symbolgehalt des Elements verschiebt. Die Grundlage der Installation bildet eine Fotografie, welche sich, herausgelöst aus ihrem ursprünglichen Kontext, zu einem eigenständigen Werk entfaltet. Durch die Positionierung im Raum und die Transparenz der Materie entwickelt sich die zweidimensionale Fläche für den Besucher zu einem erfahrbaren visuellen Phänomen. Bezugnehmend auf das dahinterliegende Wandfresko der Himmelfahrt des heiligen Domitian rückt Weiss-Richter den transzendeten Prozess des gen-Himmel-steigens nach vorne – heraus aus der heiligen Unantastbarkeit – und ruft ihn als für jedermann zugängliches bevorstehendes Ereignis ins Gedächtnis.

Tomas Hoke (*1958, Wien) studiert von 1978–81 an der Hochschule für Angewandte Kunst in Wien, danach ist er freischaffend tätig. Heute lebt und arbeitet der Künstler in Wien und auf Schloss Saager in Kärnten und unterhält seit 1997 ein Atelier auf dem Industriegelände der Berndorf AG in Niederösterreich. Tomas Hoke hat in den vergangenen 40 Jahren ein umfangreiches Oeuvre geschaffen, das sich auf die Bereiche Schmuck, Grafik, Fotografie und insbesondere Skulptur, Installation sowie Kunst im öffentlichen Raum bezieht. Darüber hinaus ist der Künstler auch selbst als Kurator tätig und im Kunstbetrieb engagiert. Grafik und Plastik – die in einem weiten, modernen Materialspektrum, von Metall über Gummi bis Neonlicht, und abstrakter, technoider Formensprache entsteht – entwickeln sich parallel. Beide beruhen auf der Auseinandersetzung mit dem menschlichen Körper, seinen Verhältnissen, seinen Eigenschaften und Möglichkeiten.

Die Reflexion der Physiognomie, die Auseinandersetzung mit dem menschlichen Mikrokosmos, mit Hirnforschung und Neuroästhetik, bedingen die formale und materielle Erscheinung sowie den Charakter der Werke: assoziative, symbolische Formen, konfrontative, interaktive Objekte, kinetische, pneumatische, akustische Installationen, die als Vehikel der Wahrnehmung die visuellen, taktilen und auditiven Sinne ansprechen. Monumentale Metall-Skulpturen entstehen im Spannungsfeld der Überschreitung der Körpergrenzen in den Raum, dem Übergang vom Mikro- in den Makrokosmos als Ort der Relationsverschiebungen, aber auch der gesellschaftlichen Wechselwirkungen. Zentrales Arbeitsgebiet ist die Kunst im öffentlichen Raum, die sämtliche Fragestellungen, denen der Künstler sein Schaffen verschrieben hat, zusammenführt: selbstreferentiell-kunstbezogene, politische und soziale, architektonisch-räumliche und bautechnische Überlegungen spielen eine Rolle, und der Mensch, als biologisches und philosophisches Wesen, als Einzelner oder in Interaktion mit anderen, steht zur Bedingung formalästhetischer sowie funktioneller, künstlerischer Realisationen. Zur Ausstellung erscheint im Ritter-Verlag eine umfangreiche Monografie.

Zenita Komad 1980 in Klagenfurt geboren, studiert an der Hochschule für angewandte Kunst in der Meisterklasse bei Marko Japelj Bühnenbild und Grafik sowie an der Akademie der bildenden Künste bei Franz Graf Mixed Media in Wien. 2004 erhält sie das Stipendium des Internationalen Künstlerhauses Villa Concordia in Bamberg und 2007 das MAK Schindler Stipendium in Los Angeles. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Ashkelon, Israel, mit ihrem Mann und ihren zwei Söhnen.

In der neu konzipierten Installation mit dem Titel „8 x 109 = 1“, der symbolisch für die Menschheit steht, stellt die Künstlerin ein Vexierbild her. Den Götzen des heiligen Domitian, die er der Legende nach einst in den Millstätter See warf, stellt die Künstlerin eine zeitgemäße Parallelwelt entgegen, in der eine Sopranistin, begleitet von einem Klarinettisten, in einer Badewanne sitzend, die Götzen unserer Zeit abwirft - sie müssen der Sehnsucht der Hauptfigur nach spirituellen Antworten weichen. Die Kapelle wird zu einem Uterus, in dem der neue Mensch geboren wird. Durch eine Waschung versucht die Protagonistin in sich Platz zu schaffen für Erkenntnis. Eine 15-minütige Komposition von Nadir Gottberg ist das Herzstück der Installation, die zur Eröffnung uraufgeführt wird. Das Rätsel bleibt aufrecht und das Bild im Bild wirft neue Fragen auf. Doch das Problem ist, wie können wir die wahre Welt finden, in der wir leben, und nicht die üblichen Trugbilder?

Die Ausstellung „Empfindliches Gleichgewicht“ präsentiert in zehn Räumen sowohl das autonome Schaffen, als auch gemeinsame Projekte der beiden Künstler:innen Iris Andraschek und Hubert Lobnig. Obwohl die beiden Akteure grundsätzlich voneinander unabhängig arbeiten, finden sie immer wieder an gemeinsamen Schnittpunkten ihrer Kunst zusammen. Im Fokus ihrer künstlerischen Arbeit steht der Blick auf die Gesellschaft und deren Wandlung.

In der Auseinandersetzung mit der zeitgenössischen Realität thematisieren die beiden Künstler:innen oft brisante Problematiken wie Migration, Genderthemen oder den Wandel politischer - sowie sozialer Ordnungen. Dabei werden die Auswirkungen und Reaktionen kritisch hinterfragt und zu ergründen versucht. In alternativen Gegenmodellen jenseits kollektiver Richtlinien kontrastieren die Künstler:innen die gesetzten Vorgaben gesellschaftlicher Strukturen und schaffen einen Konfrontationsnimbus von Utopie und Realität. Bezeichnend für die beiden Künstler_innen ist vor allem ihre ortsbezogene Arbeit. So nimmt auch die Ausstellung im Museum Moderner Kunst Kärnten Bezug zur Historie des Gebäudes und stellt die Werke in den Kontext der sogenannten „Burg“ in Klagenfurt sowie der Region Kärnten als speziellem, kulturellem und politischem Raum.

Zur Ausstellung erscheint im Verlag für moderne Kunst ein umfangreicher Ausstellungskatalog in deutscher und englischer Sprache.

In Kärnten wird viel und gerne über Kärnten nachgedacht. Der 100 Jahre zurückliegende „Kärntner Abwehrkampf“ und die auf ihn folgende Volksabstimmung von 1920 sind die historischen Ereignisse, von denen ausgehend sich das „Kärntnertum“ in immer neuen Wiederholungen zu definieren versucht. Kärnten ist aber auch ein Land der Literatur und der Kunst, der Künstlerinnen und Künstler, die auf das Land, seine Konflikte und Widersprüche, seine Lasten aus der Geschichte und Potentiale für die Zukunft einen „anderen“ Blick werfen, der sich nicht selten in kritischer Auseinandersetzung mit den üblichen Mustern schärft.

Die Ausstellung „Das andere Land“ versucht, die Blickweisen von bildender Kunst und Literatur in einen produktiven Dialog zu setzen und für neue Perspektiven fruchtbar zu machen. Ausgewählte Kunstwerke aus der Kunstsammlung des Landes Kärnten/MMKK werden mit Texten aus dem Kanon der Kärntner Literatur so in Szene gesetzt, dass sie ihren vielfältigen Kommentar auf das so genannte „Kärntner Wesen“ entfalten. Begleitet von kommentierenden Texten und Soundzuspielungen erzählt die Ausstellung über Begriffe und Themen, die im kollektiven Kärntner Bewusstsein (und Unbewussten) eine zentrale Rolle gespielt haben oder spielen: „Das Landle“, „Die Hamat“, „Das Liad“, „Die Liab“ etc. In diesem Sinn soll die Ausstellung zu einem neuerlichen kritischen Nachdenken über die unbefragten (und unbewältigten) Voraussetzungen des Denkens und Lebens in dem Land anstoßen, wobei Humor und Ironie eine wichtige Rolle spielen, um sich von unnötigem historischem und ideologischem Ballast zu befreien.

Mit Texten von Primus Lessiak, Josef Friedrich Perkonig, Ingeborg Bachmann, Peter Handke, Florjan Lipuš, Maja Haderlap u. a. sowie bildnerischen Werken von Markus Pernhart, Switbert Lobisser, Hermann Poschinger, Maria Lassnig, Cornelius Kolig, Gudrun Kampl u.v.a.m.

Kuratiert und inszeniert von Christine Wetzlinger-Grundnig und Bernd Liepold-Mosser. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog im Verlag Johannes Heyn mit ca. 240 Seiten, Textbeiträgen von Bernd Liepold-Mosser, Christine Wetzlinger-Grundnig u. a., mit literarischen sowie Liedtexten, ausführlichen Künstler:innenbiografien und zahlreichen Abbildungen zum Preis von € 26,50.

Stephen Althouse wurde 1948 in Washington, D.C. geboren, lebt und arbeitet in Rebersburg, Pennsylvania. Er studierte Bildhauerei an der Tyler School of Art in Philadelphia, Pennsylvania, am Rollins College, Winter Park, Florida, und an der Universität in Miami, Florida. 1976 absolvierte Stephen Althouse die Virginia Commonwealth Universität in Richmond, Virginia, mit dem Master of Fine Arts für Bildhauerei und war sowohl als Künstler sowie als Professor für Kunstfotografie an der Barry Kunstuniversität in Miami, Florida, tätig. Er erhielt zahlreiche Auszeichnungen für seine Leistungen im Kunst-Digitaldruck. Zusätzlich zu seiner weltweiten Ausstellungstätigkeit werden seine Arbeiten auch von den wichtigsten Museen und Privatsammlungen in Nordamerika, Südamerika und Europa gesammelt.

Der Künstler verknüpft Bildhauerei und Fotografie in einzigartiger Manier, indem er selbst hergestellte, gesammelte und gefundene Objekte zu Assemblagen, die seine Ideen visuell zum Ausdruck bringen, arrangiert und mit einer großformatigen Kamera fotografiert. Die Negative werden gescannt und die digitalisierten Daten manipuliert und modifiziert, indem er subtile Elemente hinzufügt. Nichts überlässt der Künstler dem Zufall, jedes Detail ist durchdacht und durchkonstruiert. Metaphorische Symbole, wie unlesbare Worte und Phrasen, ein Wechselspiel aus Licht, Schatten und Kontrasten sind Indizien, wie vielschichtig Stephen Althouse seine Bilder visuell und technisch komponiert und ihnen Spiritualität, Mysterien, Poesie, Kraft und Dramatik verleiht.

Für die Ausstellung fertigt der Künstler von ausgewählten Sujets eine eigene Museumsedition im Pigmentdruckverfahren an, die in den letzten drei Räumen des Museums gezeigt werden. Die Schau wird ergänzt durch einen begleitenden Katalog mit einem Vorwort von Christine Wetzlinger-Grundnig und einem Text von Martina Gabriel sowie zahlreichen Abbildungen. Weitere Ausstellungen von Stephen Althouse: 4.10.2018 - 10.2.2019 Mobile Museum of Art (MMoA) in Mobile, Alabama, USA; 14.9.-13.10.2018 Galerie Michaela Stock, Wien, Österreich

Alina Kunitsyna ist 1981 in Minsk geboren und in Russland aufgewachsen. Nach dem Besuch des Kunst-Lyzeums in Minsk von 1991 bis 1998 und einem Aufenthalt in Prag, setzt sie ihre Ausbildung in Linz an der Universität für Gestaltung fort. Ab 2003 studiert sie Neue Medien bei Peter Kogler an der Akademie der bildenden Künste in Wien und schließt 2007 mit dem Diplom bei Constanze Ruhm ab. Seither ist die Künstlerin freischaffend tätig und arbeitet in Wien und in Damtschach in Kärnten.

Seit 2017 unterrichtet Alina Kunitsyna an der Universität für angewandte Kunst in Wien. Für ihr Werk hat sie bereits zahlreiche Auszeichnungen erhalten, unter anderem den Preis für Kunst und Digitale Medien der Akademie der bildenden Künste in Wien, den Förderungspreis für bildende Kunst des Landes Kärnten und den Kapsch Kunstpreis. Das Thema der Falte nimmt innerhalb des künstlerischen Œuvres von Alina Kunitsyna einen hervorragenden Stellenwert ein. Es findet sich in unterschiedlichen Darstellungen, in denen die Künstlerin der Frage nach dem Körper, nach seiner An- und Abwesenheit, nach Dasein und Vergänglichkeit nachgeht und ein Spiel von Verhüllen und Offenbaren, von Versprechen, Sehnsucht, Verführung, von Erfüllung und Enttäuschung, Anschein und Sein zelebriert. Es geht dabei um Fragen der Wahrnehmung, um das Sehen und Sichtbarmachen, das die Malerei über den herkömmlichen Augentrug hinaus in ein komplexes Bedeutungs- und Reflexionsgeflecht hebt. In der Burgkapelle installiert Alina Kunitsyna ein virtuos-realistisches Ölgemälde eines kreisrund aufgeschlagenen blauen Fächers, der sich dominant vor das barocke Wandfresko mit der Darstellung der Himmelfahrt des Heiligen Domitian schiebt und diese mehrdeutig verbirgt. Die Künstlerin bedient sich einer der Barockmalerei äquivalenten bildnerischen Sprache, um einen profanen geistigen Raum parallel zum religiösen des Freskos zu schaffen, in dem die historische Erzählung mit ihren eigenen Mitteln relativiert wird und neue Perspektiven – physischer und metaphysischer Natur – etabliert werden.

Die Ausstellung mit dem Titel „In die Stadt“ stellt ein fiktionales Porträt einer Stadt dar und geht der Frage nach, welche Bedingungen und Situationen für die Stimmung dieser verantwortlich sind. Die Schau ist in mehrere Themenfelder gegliedert, die sich konventionellen Ordnungen und Kategorisierungen von Stadt entziehen. Es handelt sich vielmehr um assoziative Begriffe, wie Rhythmus, Dichte, Reibung, Oberfläche, Dazwischen oder Beziehung, die eine andere Form der Erzählung über Urbanität und die Atmosphäre von Stadt ermöglichen.

Der urbane Raum ist nicht die Summe des Gebauten, sondern ein gesellschaftlicher Raum, der sich kontinuierlich produziert und entwickelt, bedingt durch wechselnde und oftmals divergierende politische, ökonomische, soziale und kulturelle Interessen, und der häufig auch über unerwartete und periphere Ereignisse bestimmt wird. Dieser Zustand des Werdens und sich Veränderns wird in der Ausstellung aus künstlerischer Perspektive geschildert und diese wiederum macht deutlich, welch unerschöpflicher Fundus und Nährboden das Motiv und Tableau der Stadt für die künstlerische Produktion selbst ist.

Künstler:innen Ruth Anderwald + Leonhard Grond, Alfredo Barsuglia, BartolomeyBittmann, Hubert Blanz, Sabine Bitter & Helmut Weber, Catrin Bolt, Mateja Bučar, Gisela Erlacher, Lionel Favre, Andreas Fogarasi, Marlene Hausegger, Heidrun Holzfeind, Sonia Leimer, Ernst Logar, Nika Oblak & Primož Novak, Stefan Oláh/Sebastian Hackenschmidt, Manuela Mark, Gerhard Maurer, Julian Palacz, Isa Rosenberger, Evelin Stermitz, Jochen Traar, Julian Turner, Kay Walkowiak, Malte Wandel, Lois Weinberger, Nicole Weniger, Anna Witt, WochenKlausur

Kurator:innen Christine Haupt-Stummer und Andreas Krištof, section.a Christine Wetzlinger-Grundnig, MMKK Publikation Zur Ausstellung erscheint im Verlag für moderne Kunst ein umfangreicher Ausstellungskatalog in deutscher und englischer Sprache mit Beiträgen von Brigitte Felderer, Sebastian Hackenschmidt, Christine Haupt-Stummer, Andreas Krištof, Christine Wetzlinger-Grundnig und andere.

Markus Wilfling (* 1966 in Innsbruck) zählt zu jenen österreichischen Bildhauern, die sich auf eine unbeschwerte und gleichzeitig scharfsinnige Art und Weise mit der uns umgebenden Wirklichkeit befassen. In seinen Plastiken, Installationen und räumlichen Interventionen greift der Künstler vor allem Wahrnehmungsphänomene auf, die uns im Alltäglichen begegnen, denen wir ob ihrer Selbstverständlichkeit oft aber nur wenig Aufmerksamkeit schenken. Durch Kontextverschiebungen und kleine, aber wesentliche Formveränderungen befreit er Dinge und Materialien des Alltags in seinen Werken von den ihnen angestammten Funktionen, setzt Assoziationen frei und rüttelt an unserer räumlichen Wahrnehmung. Er materialisiert Immaterielles wie die Schatten der Dinge und täuscht uns mit Spiegelobjekten oder Alltagsgegenständen, die durch seine Eingriffe scheinbar unsere Raumgrenzen überschreiten.

In der Burgkapelle des Museums Moderner Kunst Kärnten setzt sich Markus Wilfling mit den spezifischen Gegebenheiten des barocken Sakralraumes auseinander, speziell mit dem zentralen Fresko von Josef Ferdinand Fromiller, das die Himmelfahrt des heiligen Domitian von Millstatt zeigt. Dieses zelebriert die Szene – ganz und gar der Zeit entsprechend – in dynamischen, spiralhaften, nach oben gerichteten Bewegungsformen als Triumph. Markus Wilfling greift diese barocken Charakteristika sowohl inhaltlich als auch formal auf und übersetzt sie, wie immer mit einer guten Portion ironischem Witz, in das Hier und Jetzt des Raumes: er stellt der barock gewundenen Aufwärtsbewegung eine aus Gerüstelementen entwickelte Rennbahnstrecke gegenüber. Die Verheißungen der Vergangenheit werden mit Verheißungen der Gegenwart konfrontiert.

Franz Yang-Močnik, vormals auch Franz Motschnig, der heute in Graz lebt, wurde 1951 in Völkermarkt geboren. Seine künstlerische Ausbildung erhielt er an der Ortweinschule in Graz, die er von 1970 bis 1973 besuchte. Franz Yang-Močnik hat in den vergangenen vier Jahrzehnten ein Œuvre entwickelt, das die Bereiche der Malerei, Zeichnung und Skulptur umfasst und das bisher mehrfach mit Preisen ausgezeichnet wurde. Das Museum Moderner Kunst Kärnten präsentiert nun in einer Werkschau Arbeiten aus den letzten 40 Jahren, die in thematischen Gruppen gegliedert sind. Im Zentrum der Kunst stehen bei Franz Yang-Močnik der Mensch, die Gesellschaft und die eigene Existenz.

Franz Yang-Močnik ist ebenso Philosoph wie messerscharfer Beobachter. Er formuliert seine Erkenntnisse in einer ausdrucksstarken künstlerischen Sprache, die das Dasein in all seinen Facetten drastisch, eindrucksvoll und manchmal auch poetisch charakterisiert. Als Maler und Zeichner ergründet er den Menschen in seinem Sein, als ausgesetztes Individuum, in Freuden und Nöten, in Angst und Schmerz, und führt ihn uns als vereinzeltes, als geistiges wie körperliches, als sexuelles Wesen vor Augen; vollzogen durch eine starke, expressive Handschrift, die sowohl Zeichnung als auch Malerei und Collage prägt, die sich in den figürlichen Darstellungen – den Gekreuzigten, den Radfahrern oder den Caféhaus-, Bar- und Straßen-Szenen – wieder findet wie auch in den abstrakten Werken, quasi „Seelenlandschaften“ und „Wesensräume“.

Die Schau wird ergänzt durch literarische Versuche des Künstlers, die ebenso wie die bildnerischen Arbeiten in einem begleitenden Katalog mit Texten von Günther Holler-Schuster, Heimo Strempfl, Johannes Rauchenberger und Christine Wetzlinger-Grundnig publiziert und im Heyn-Verlag erschienen sind. Ein Text und eine Skulptur von Gundi Feyrer, deutsche Künstlerin und Schriftstellerin, die sich direkt auf Franz Yang-Močnik und sein Werk beziehen, begleiten die Ausstellung im Foyer des Museums ein.

Eine Frau legt sich schwarz angezogen ins Bett und flüstert nur noch. 15 Jahre lang, bis zu ihrem Tod. 100 Jahre später meint ihre Urenkelin J. in den Werken Leiko Ikemuras den Ausdruck eines Schmerzes zu erkennen, der zugleich ihr eigener ist. Schicht für Schicht werden ihre und der Urgroßmutter Traumata freigelegt. Bilder, Laute, Töne steigen aus dem Unbewussten hoch und verbinden sich zu einer neuen Sprache. Ein Abend über die Magie und Kraft unbewusster Bilder.

Künstlerische Leitung, Komposition: Susanne Kubelka | Bildnerische Werke, konzeptionelle Entwicklung: Leiko Ikemura | Regie: Hans Escher | Film, Grafik: Karsten Lindemann | Kreation, Interpreation: Yoshie Shibahara, David Koch, Susanne Kubelka

Eine Zusammenschau von aktuellem Kunstschaffen und historischem Kulturgut – zeitgenössische Künstler:innen im Dialog mit römischen Steindenkmälern aus dem Landesmuseum Kärnten.
Ein Kooperationsprojekt von Museum für Quellenkultur, Landesmuseum für Kärnten und Museum Moderner Kunst Kärnten.

Gerold Tusch, 1969 in Villach geboren, beschäftigt sich in seiner künstlerischen Arbeit vor allem mit historischen, ornamentalen Elementen aus dem Bereich des Dekors und des Kunsthandwerks. Das tradierte Formenrepertoire, besonders die Prunkformen des Barock und Rokoko, bietet dem Künstler einen reichen Fundus, auf den er pointiert zugreift. Gerold Tusch löst die Gegenstände aus ihrem angestammten Kontext und transferiert sie in einen neuen, zeitgenössischen Zusammenhang, um ihre formale und inhaltliche Wirkkraft zu prüfen bzw. sie für eigene gestalterische Ideen zu nutzen. Dazu bedient sich der Künstler des Mittels der Keramik. Aus Ton erzeugt er ungewöhnliche, skulpturale Werke im Raum, die mit großer Sinnlichkeit die Betrachtenden faszinieren und die zugleich auf einer intellektuellen Ebene wirksam werden, indem sie Fragestellungen aktueller Relevanz aufwerfen.

In der Installation „Himmel auf Erden“ arbeitet der Künstler mit Wolkenformationen. Diese ornamentalen Wolken-Ringe sind Zitate der „Silberwolke“, Details barocker Altäre. Sie werden am Steinboden der Burgkapelle verteilt. Das Himmelsmotiv wird auf die Erde herab geholt, verliert dadurch seine paradiesische Dimension und erlangt neue Bedeutung. Es fokussiert die Blicke, die nun nicht mehr in den Himmel, in die Unendlichkeit, die Ewigkeit, schweifen, auf den Boden der profanen Welt. Zugleich kann man, zwischen den Wolkengebilden durch die Installation gehend, der Illusion nachgeben, in höheren Sphären zu wandeln. Der Künstler setzt der barocken Himmelsillusion der Burgkapelle eine zeitgenössische, irdische Seins-Version entgegen, die sich mit ihr zu einem neuen Ganzen, das reale und geistige Ebenen umschließt, verbindet. Im Verhältnis von Himmel und Erde, Jenseits und Diesseits, Illusion und Realität spannt sich ein komplexer Diskussionsraum – auch der eigenen Verortung – auf.

Mit der diesjährigen Sommerausstellung setzt das Museum Moderner Kunst Kärnten den Themenschwerpunkt des Stilllebens fort. Nachdem im Frühjahr 2017 in der Gruppenausstellung „unheimlich schön. STILLLEBEN HEUTE“ eine große Bandbreite an zeitgenössischen, nationalen und internationalen Positionen des Stilllebens präsentiert wurden, werden in der aktuellen Schau, in der Reihe „fokus sammlung“, Stillleben aus den Beständen der Kunstsammlung des Landes Kärnten/MMKK vorgestellt, die schwerpunktmäßig Arbeiten von Kärntner Künstlerinnen und Künstlern beinhaltet, in der aber ebenso Werke nicht heimischer Kunstschaffender vertreten sind.

Das klassische Genre des Stilllebens findet sich in der Kunstsammlung in einer überraschend großen Bandbreite unterschiedlichster Qualitäten. Es umfasst nicht nur Gemälde und Grafik, sondern auch Fotografien, Objektinstallationen und Videos. Die Werke stammen aus der Zeit des 19., 20. und 21. Jahrhunderts und beschreiben verschiedene Stile, vom Realismus und der Biedermeiermalerei des 19. Jahrhunderts über die Tendenzen der Moderne bis hin zu vielfältigen Formulierungen unterschiedlichster Mittel und Medien postmoderner Möglichkeiten.

Vertreten sind in der Schau u. a. Künstler und Künstlerinnen des „Viktringer Kreises“, wie Markus Pernhart, Ludwig Willroider und einzelne Mitglieder der Familie Moro; Nikolaus Gysis und Albin Egger-Lienz; dann die Maler des Nötscher Kreises, Anton Kolig und Anton Mahringer; verschiedene Protagonisten der Zwischenkriegszeit, z. B. Felix Esterl, Georg Pevetz, Herbert Boeckl oder Werner Berg; Maler der Nachkriegszeit, wie etwa Karl Bauer oder Maria Lassnig, und Künstler der Gegenwart, darunter Reimo Wukounig, Cornelius Kolig, Bella Ban, Hubert Lobnig, Ernst Logar oder Haim Steinbach u. a.

Die Werke sind in der Ausstellung in 14 Räumen thematisch in Gruppen – vom Blumen- und Mahlzeitstillleben, über das Tierstück, das Seemannsstillleben, das Vanitas-Bild, bis zum Interieur und zu Bildern der heutigen Gegenstandswelt – geordnet und treffen in ihren zeitlichen Unterschieden und stilistischen Gegensätzen spannungsreich aufeinander.

Die Ausstellung versammelt in sieben Räumen sowie in der Burgkapelle des MMKK Arbeiten von 16 zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern, die sich mit gegenwärtigen Mitteln und aktuellen Fragestellungen der Thematik des Stilllebens annähern und in einer überraschenden Vielfalt das nämliche Thema beschreiben. Diese bezeugt, dass das Stillleben – eine Gattung mit langer und abwechslungsreicher Geschichte – offensichtlich immer noch ein interessantes Betätigungsfeld für die Kunstschaffenden ist und, dass seine Kontinuität und starke Symbolik sich geradezu als ideale Anknüpfungspunkte für eine neue inhaltliche Aufladung und Ausweitung seines Bedeutungsradius darstellen.

Die unterschiedlichen Werke der Schau umfassen sämtliche Medien. Die Bandbreite in der das Genre erscheint, reicht vom klassischen Typus als Arrangement mit Blumen, Speisen, allerlei Gegenständen oder totem Getier, das in Zeichnungen, Gemälden, Fotoarbeiten, und als reale Situation im Raum sowie in bewegten, filmischen Bildern verwirklicht ist, über Pflanzen, die sich außerhalb gemalter Tableaus sowohl in raumgreifenden Installationen, in quasi landschaftlichen Situationen zu Erfahrungsräumen ausbreiten, als auch durch Lichtprojektionen in flüchtigen Phänomenen auftauchen oder durch moderne Methoden in Wesen und Form transformiert, in verschiedensten Objekten neu erschaffen werden. Inhaltlich geht es bei den Zeitgenossen nur noch im weitesten Sinne um das Stillleben in einem traditionellen Verständnis. Seine herkömmliche Definition hat sich in der Postmoderne endgültig aufgeweicht. Die Künstlerinnen und Künstler greifen vielmehr brisante sozio-politische Problematiken, vor allem in Bezug auf Wirtschaft, Natur und Umwelt auf, oder sie begeben sich in eine subjektiv motivierte Auseinandersetzung, in der sie die künstlerischen Möglichkeiten einer Annäherung an die Thematik reflektieren.

Alex Amann I Christy Astuy I Catrin Bolt I Theres Cassini I Dietmar Franz I Sonja Gangl I Bernadette Huber I Richard Kaplenig I Cornelius Kolig I Karin Pliem I Barbara Putz-Plecko I Silvano Rubino I Thomas Stimm I Stefan Waibel I Thilo Westermann Zur Ausstellung erscheint eine Publikation mit einem Vorwort von Christine Wetzlinger-Grundnig, mit Textbeiträgen von Brigitte Borchhardt-Birbaumer, Lucas Gehrmann, Daniela Hammer-Tugendhat u.a. in einem Umfang von ca. 100 Seiten, zu einem Preis von € 27,-, ISBN 978-3-9503572-6-4.

In sieben der 14 Ausstellungsräumen zeigt das Museum Moderner Kunst Kärnten eine Dauerpräsentation von ausgewählten Werken der Kunstsammlung des Landes Kärnten/MMKK. Zu sehen sind Bilder der bedeutenden Protagonisten und Protagonistinnen der Kunst in Kärnten im 19. und 20. Jahrhundert, von der Biedermeiermalerei über den Kärntner Expressionismus der Zwischenkriegszeit bis zu den avantgardistischen Strömungen nach 1945, von Markus Pernhart und den Brüdern Josef und Ludwig Willroider, dem Nötscher Kreis mit Anton Kolig, Franz Wiegele, Sebastian Isepp und Anton Mahringer; von Herbert Boeckl, Jean Egger oder Werner Berg bis Maria Lassnig, Hans Staudacher, Hans Bischoffshausen, Wolfgang Hollegha, Kurt Kocherscheidt, Bruno Gironcoli oder Kiki Kogelnik u.a.

Nipple Jesus - Schauspiel von Nick Hornby. Von Kunst hat Dave keine Ahnung. Die Stelle als Museumswärter hat er nur angenommen, weil es ihm als Türsteher zu gefährlich wurde. Nun steht er hier und bewacht Kunstwerke, alte und neue. Seine erste Aufgabe im neuen Job ist ein Sonderauftrag: Dave soll ein umstrittenes Bild bewachen. Aus der Ferne betrachtet, zeigt es den leidenden Jesus am Kreuz. Geht der Betrachter allerdings nah genug an das Bild heran, entdeckt er, dass es sich um eine Collage aus Tausenden von Fotoschnipseln handelt, die alle ein einziges Motiv zeigen: Brustwarzen. Zunächst ist Dave schockiert, aber nach und nach erwacht sein Beschützerinstinkt für das ungewöhnliche Kunstwerk. Während in der ganzen Stadt die Wogen der Empörung über den NippleJesus hochschlagen, verteidigt Dave das Bild gegen Bigotterie und Unverstand, gegen Politik und Medien – ohne zu ahnen, dass er am Ende selbst kalkulierter Teil des Kunstbetriebs werden soll.

Inszenierung: Ute Liepold Es spielt: Alexander Mitterer, Musik: Vera Kropf | Jeff T. Byrd, Kunst: Sonja Gangl, Kostüm + Maske: Michaela Haag, Licht + Ton: Stefan Schweiger, Sandro Weber, Assistenz: Karin Prucha, Stephanie Sihler, Produktion: wolkenflug / Bernd Liepold-Mosser

Sonja Gangl, 1965 in Graz geboren, lebt und arbeitet heute in Wien, wo sie auch an der Akademie der bildenden Künste und an der Universität für angewandte Kunst studiert hat. Sonja Gangl beschäftigt sich vorwiegend mit den Medien Fotografie, Film und Computer und verbindet diese auf technischer, formal-ästhetischer wie auch inhaltlicher Ebene mit klassischen künstlerischen Gattungen wie Malerei, Zeichnung und Installation, was zu neuen, höchst interessanten, zeitgenössisch aktuellen Werkergebnissen führt, die durch die Verfahren des Medientransfers der Motive bildnerisch geprägt und inhaltlich aufgeladen sind. Die konzeptuellen Ansätze der Arbeit von Sonja Gangl, die sich der kritischen Auseinandersetzung mit gegenwärtigen, gesellschaftsrelevanten Problemen sowie der Auslotung der künstlerischen Mittel und Medien selbst verschrieben hat, werden in aufregenden, weil für den Kunstbetrieb ungewöhnlichen Strategien entwickelt und münden in inhaltlich dichte und technisch perfekte Resultate großer Referenzbreite. Das künstlerische Aktionsfeld von Sonja Gangl geht über die herkömmlichen Kategorien hinaus, schließt Arbeiten im öffentlichen Raum mit ein und umfasst insbesondere Projekte, die sich in spielerisch-affirmativer Weise sozialen und ökonomischen Praktiken annähern. Sonja Gangl macht Strukturen, Mechanismen, Versprechen und Wertvorstellungen der zeitgenössischen Konsumgesellschaft sichtbar und vermittelt ihr verführerisches, manipulatives Vermögen sowie ihr Verlangen nach Befriedigung.

Der Stil der Künstlerin ist als konzentriert, fokussiert, reduktiv und minimalistisch zu beschreiben. Sie setzt ihre Sujets in neue Relationen. Auch die Arbeit in der Burgkapelle lässt sich in dieser Weise beschreiben. Mit der Installation eines puristischen, weißen Quaders, der gleichzeitig als Skulptur wie als Bühnenbild und Rahmen der theatralen Inszenierung gelesen werden kann, setzt die Künstlerin dem barocken Kirchenraum einen White Cube entgegen und stellt damit der Handlung des Stückes einen realen und zugleich zeichenhaften Raum zur Verfügung.

Eine Werkschau im Kontext Mit der Ausstellung „Landschaft = Labor“ präsentiert das Museum Moderner Kunst Kärnten/MMKK erstmalig eine umfassende Werkschau des österreichischen Künstlers Herwig Turk, geb. 1964 in St. Veit an der Glan, die in einem Kontext mit ausgewählten internationalen, künstlerischen Positionen gezeigt wird. Herwig Turks künstlerische Arbeit ist bestimmt von der Auseinandersetzung mit der Thematik des Wissenschaftskomplexes. Die materielle Kultur des High-Tech-Labors wird als vielschichtige Umgebung betrachtet, in der auch die Bedeutung des Begriffs Landschaft reflektiert wird, welche zwischen politischer Determinierung und industrieller Instrumentalisierung zum Versuchslabor wird.

Dementsprechend gehen die Begriffe „Labor“ und „Landschaft“ in der Ausstellung nahtlos ineinander über. Während im ersteren unterschiedliche Erzählungen aus dem Laborleben (laboratory life) seziert werden, hinterfragt Herwig Turk den Begriff der Landschaft auf seine zivilisatorischen Zusammenhänge und kolonialen Nutzungsmodalitäten. Die von Herwig Turk generierten Bild- und Objektwelten referieren dabei auf tradierte Darstellungs- und Repräsentationsmuster, die Stereotype des Landschaftsabbildes genauso hinterfragen wie Formen der Portraitdarstellung durch die bildende Kunst. In der Ausstellung im MMKK erfährt die Arbeit Herwig Turks eine kontextuelle Erweiterung, einerseits durch einen Dialog mit Arbeiten aus der Sammlung des Museums selbst und andererseits durch eine Auswahl künstlerischer Arbeiten, die auf verwandte künstlerische Strategien zurückgreifen und sich im künstlerisch-wissenschaftlichen Diskurs bewegen.

Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher Ausstellungskatalog mit zahlreichen Abbildungen und mit Beiträgen von Ingeborg Reichle (Medientheoretikerin, Berlin und Wien), Christian Höller (Kunsttheoretiker, Essayist, Wien) und Andreas Krištof (Kurator, section.a) und einem Vorwort von Christine Wetzlinger-Grundnig (Kuratorin, Direktorin MMKK) im Verlag für moderne Kunst.

KünstlerInnen Herwig Turk im Dialog mit Herbert Boeckl (A) | The Center for Land Use Interpretation (US) | Thomas Feuerstein (A) | Cornelius Kolig (A) | Gerhard Lang (D) | Sonia Leimer (I) | Kira O’Reilly (GB) & Jennifer Willet (CAN) | Hannes Rickli (CH) | Meina Schellander (A) | Nicole Six/Paul Petritsch (A) | Gerhard Treml & Leo Calice (A)

Regina Hübner wurde in Villach geboren und lebt heute in Rom und in ihrer Geburtsstadt. Die Künstlerin besuchte die Ortweinschule in Graz und studierte anschließend an der Accademia di Belle Arti in Rom, an der sie 1990 diplomierte. Seither ist Regina Hübner als freischaffende Künstlerin in den Bereichen experimentelle Fotografie, Video und Performance tätig.

In der Burgkapelle des MMKK zeigt die Künstlerin eine multimediale Installation mit dem Titel „time and person“, die in dieser Form speziell für den spezifischen, ehemaligen Sakralraum mit all seinen architektonischen Merkmalen und dem barocken Freskenschmuck von Josef Ferdinand Fromiller konzipiert wurde. Die Arbeit besteht aus einer zweiteiligen Videoinstallation und einem auditiven Teil, der aus Musikstücken des international bekannten italienischen Komponisten Luca Lombardi zusammengestellt ist und, mit den visuellen Werken synchronisiert, in rhythmischem und konzeptuellem Einklang steht. „time and person“ führt einen Diskurs über die menschliche Existenz. Das Wachsen und Werden sowie das Vergehen, die ewige Wiederkehr und der unendliche Zeitfluss werden in den Videoarbeiten thematisiert, die auf semitransparenten Bildträgern im Raum wiedergegeben werden, diesen erobern und die Betrachtenden direkt konfrontieren und in ihren Bann ziehen. Musik und Film verschränken sich. Das Zeitliche und sein Verlauf finden sich zwischen den Polen von Geschichte und Vergänglichkeit, die durch den realen historischen Rahmen gegeben sind, und aktuellem Moment wieder, der zum Zeitpunkt des Eintrittes der Besuchenden und ihrer Interaktion markiert wird. Während der Ausstellungsdauer gibt es im Rahmen einer Matinee eine musikalische Live-Performance in der Burgkapelle, in der der bekannte Florentiner Flötist Roberto Fabbriciani die Musikstücke von Lombardi vorträgt. Maestro Luca Lombardi wird persönlich die Einführung dazu übernehmen. Zur Ausstellung erscheint ein Faltblatt mit Texten von Arnulf Rohsmann und Christine Wetzlinger-Grundnig.

Arnold Clementschitsch (1887−1970) studiert ab 1909 an den Akademien der bildenden Künste in Wien und ab 1911 in München, wo er mit der Avantgarde-Bewegung „Der Blaue Reiter“ in Kontakt kommt. 1913 heiratet er die Münchner Malerin Maria Bauernschmidt, im selben Jahr wird das einzige Kind, Arnold, geboren. 1915−18 befindet sich Clementschitsch im Kriegsdienst; danach pendelt er zwischen den Wohnsitzen am Ossiacher See und Wien. Es entstehen prägende Freundschaften mit den Malern Herbert Boeckl und Felix Esterl, später mit dem Schriftsteller Michael Guttenbrunner. Clementschitsch fällt bereits 1920 bei seiner ersten Kollektive in der Wiener Secession mit einzigartigen Straßenbildern auf, 1928 ist er in Barcelona bei der Weltausstellung vertreten und 1932 auf der Biennale in Venedig. Nach dem Zweiten Weltkrieg zählt der Maler zu den Mitbegründern des Kärntner Landesinstitutes für bildende Kunst, das er bis 1947 leitet. Zu seinen Schülern gehören u. a. Kurt Schmidt und Hans Staudacher. Der Künstler ist Träger des Großen österreichischen Staatspreises und auch als Verfasser literarischer Bücher und Schriften bekannt.

Sein umfangreiches bildnerisches Œuvre, das sich über sechs Jahrzehnte entwickelt hat, gliedert sich in Porträts, Akte, Landschaften, Straßenszenen und Pferdebilder, die auch in der Ausstellung vertreten sind. Arnold Clementschitsch nimmt als Maler im österreichischen Kontext die Position eines Einzelgängers ein. Sein künstlerisches Werk, in dem er gezielt Elemente des Impressionismus oder Expressionismus und der Neuen Sachlichkeit variiert, weist ihn als durchaus zeitgemäß aus.

Auf Basis der Dissertation von Leonore Lukeschitsch und in Kooperation mit dem Museum des Nötscher Kreises (wo eine korrespondierende Ausstellung gezeigt wird) sowie umfangreicher neuer Recherchen und Archivmaterialien wurde ein wissenschaftliches Werkverzeichnis erstellt, das um die 900 malerische Arbeiten dokumentiert. Dieses erscheint in einem ausstellungsbegleitenden monografischen Buch mit Textbeiträgen von Matthias Boeckl, Rosemarie Burgstaller, Sigrid Diewald, Martina Gabriel, Leonore Lukeschitsch, Heimo Strempfl und Christine Wetzlinger-Grundnig.

Ab 7. April 2016 sind acht der 14 Ausstellungsräume des Museums Moderner Kunst Kärnten einer Dauerpräsentation von ausgewählten Werken der Kunstsammlung des Landes Kärnten/MMKK gewidmet.

Zu sehen sind Bilder der bedeutenden Protagonisten und Protagonistinnen der Kunst in Kärnten im 19. und 20. Jahrhundert, von der Biedermeiermalerei über den Kärntner Expressionismus der Zwischenkriegszeit bis zu den avantgardistischen Strömungen nach 1945, von Markus Pernhart und den Brüdern Josef und Ludwig Willroider, dem Nötscher Kreis mit Anton Kolig, Franz Wiegele, Sebastian Isepp und Anton Mahringer; von Herbert Boeckl, Jean Egger oder Werner Berg bis Maria Lassnig, Hans Staudacher, Hans Bischoffshausen, Wolfgang Hollegha, Kurt Kocherscheidt, Bruno Gironcoli oder Kiki Kogelnik u.a.

2011 und 2013 verbrachte Peter Truschner jeweils mehrere Monate in Bangkok. In dieser Zeit entstand die Fotoserie „Bangkok Struggle“. Der Künstler richtet sein Augenmerk auf jene traditionellen Viertel, in denen die Händler und Arbeiter in 16-Stunden-Schichten ihr täglich Brot verdienen und sich trotzdem manchmal kein Dach über dem Kopf leisten können. Indem er mit den Menschen den Alltag teilte, erschloss sich Peter Truschner ein Bangkok abseits der gängigen Vexierbilder des Sextourismus, des Bau- und High-Tech-Booms und der Vollmondpartys. Das MMKK zeigt 40 Fotografien aus „Bangkok Struggle“.

In Kooperation mit der Universität der Künste Berlin werden in einem von Peter Truschner kuratierten Projektraum Werke junger KünstlerInnen präsentiert, die an die Arbeiten von „Bangkok Struggle“ anknüpfen. Truschners Fotografien werden 2015 im renommierten Berliner Fotobuchverlag "Peperoni Books" publiziert.

Fabio Zolly wurde 1955 in Spittal an der Drau geboren, studierte Bühnen- und Filmgestaltung bei Erich Wonder an der Hochschule für angewandte Kunst in Wien und lebt heute als freischaffender bildender Künstler in Wien und Niederösterreich. Seine Kunst ist konzeptionell und multimedial. Einzelne Elemente, ephemere Phänomene, aber auch umfassende Bedingungen des urbanen Lebens in einer globalisierten Welt, die von Mobilität, Reglementierung und Kapitalismus geprägt ist, bilden das inhaltliche Feld, aus dem er schöpft.

Zolly macht auf Beiläufiges aufmerksam, durchleuchtet, nimmt Stellung und verquickt Allgemeines immer wieder mit der Frage nach dem, was Kunst ist, wie die Mechanismen im Kunstbetrieb funktionieren und welchen Bedingungen Kunst und Kunstschaffende ausgesetzt sind. Vieles entsteht auf seinen zahlreichen Reisen: Abdrücke von Kanaldeckeln als historische Zeugnisse städtischer Identitäten, Fotografien von Wolken und Flugzeugschatten als Spuren von Mobilität, Röntgenbilder, die das Innere von Reisekoffern sichtbar machen als Hinweis für Überwachung oder vor architektonischen Wahrzeichen – etwa der Akropolis in Athen – abgelichtete rot-weiße Bauabsperrbänder mit der Aufschrift „copyright by Fabio Zolly“ als Indiz für und gleichzeitig Frage nach Reglementierung, Besitz und Begrenzung im Allgemeinen wie in der Kunst. In seiner Installation „Rendezvous mit der Realität“ für die Burgkapelle des MMKK setzt sich Fabio Zolly mit der politischen und wirtschaftlichen Situation seines Heimatlandes Kärnten – vor allem auch für den Kultursektor – auseinander und liefert vor dem Hintergrund der Darstellung der Himmelfahrt des heiligen Domitian ein mögliches Zukunftsszenario.

Seit 2006 sammelt das Künstlerinnenduo im öffentlichen Raum selbstgedrehte Handyvideos von Jugendlichen und jungen Erwachsenen und baut damit ein weltweit einzigartiges Videoarchiv auf. In der aktuellen Arbeit # CRESCENDO beschäftigen sich die Künstlerinnen erstmals mit der Audiospur der Handyvideos. Sie ließen den Originalton aller Videos aus ihrer Sammlung transkribieren und erweitern damit ihr „no-story video“-Archiv mit einer neu angelegten „no-story audio“-Sammlung. Im Entkoppeln der Tonspur von der filmischen Ebene stehen die versatzstückhaften und oft nur unverständlich wahrnehmbaren Dialoge für sich selbst und erlangen eine autonome Realität. In der Materialisierung in Schrift wird Sprache nun selbst zum Bild und in Form von Wandarbeiten in ihrer Zusammenschau zu einer minimalistischen Polyfonie rätsel- und versatzstückhafter Erzähllandschaften.

Die Arbeit wird im Museum Moderner Kunst Kärnten erstmals präsentiert. Die Ausstellungseröffnung findet im Rahmen folgender Tagung statt: Bewegtbilder und Alltagskultur(en) – von Super 8 über Video zum Handyfilm. Praktiken von Amateuren im Prozess der gesellschaftlichen Ästhetisierung Konzept: Ute Holfelder / Klaus Schönberger

Valentin Oman zählt zu den renommiertesten österreichischen Künstlerpersönlichkeiten. Er wurde 1935 in St. Stefan/Šteben bei Villach/Beljak geboren, besuchte das Marianum Tanzenberg/Plešivec, studierte an der Hochschule für angewandte Kunst in Wien Malerei und Grafik und absolvierte eine Ausbildung für Druckgrafik bei Riko Debenjak an der Akademie für bildende Künste in Laibach/Ljubljana. Heute lebt und arbeitet der Künstler in Wien und in Finkenstein/Bekštanj in Kärnten.

Die Retrospektive bietet einen Rückblick auf die vergangenen fünfzig Schaffensjahre. Valentin Oman, der schwerpunktmäßig von der Malerei und Grafik kommt und dessen besonderes Augenmerk auf diffizilen, experimentellen Erweiterungen und Verknüpfungen dieser bildnerischen Möglichkeiten liegt, hat ein beeindruckend umfangreiches Œuvre hergestellt, das sich inhaltlich dem Thema der menschlichen Existenz, den Fragestellungen des Seins allgemein, nach Vergänglichkeit und Transzendenz widmet. Der Künstler hat eine unverkennbare Bildsprache entwickelt, in deren Mittelpunkt die menschliche Figur steht, verwirklicht in außergewöhnlichen Techniken und suggestiven Materialien, die die Gestalt als Zeichen metaphysischer Dimension formuliert, die über sich selbst hinaus weist. Sie erscheint, abseits der herkömmlichen Grafik, in vielschichtigen Wandmalereien, Materialbildern und Collagen sowie Metall- und Glas-Skulpturen. Die Ausstellung versammelt Beispiele dazu von den 1960er-Jahren bis heute, darunter Werke der Sammlung Hermagoras und des MMKK, weiters mannigfaltige Zyklen von Reisebildern und Landschaften, Dokumentationen der unzähligen Arbeiten für den öffentlichen Raum und eine Installation, die sich auf Valentin Omans Engagement für die zweisprachigen Ortsnamen in Kärnten bezieht, die dem Künstler als Angehöriger der slowenischen Volksgruppe ein besonderes Anliegen sind.

Die Ausstellung, die im Anschluss im Künstlerhaus in Wien und im Božidar Jakac Art Museum in Kostanjevica na Krki in Slowenien zu sehen sein wird, begleitet eine Publikation im Umfang von 226 Seiten, mit zahlreichen Abbildungen und mit Texten von Martin Traxl, Milena Zlatar u. a. in den Sprachen Deutsch, Slowenisch und Englisch. Parallel Peter Truschner

(Kooperationsprojekt) Eine Zusammenschau von aktuellem Kunstschaffen und historischem Kulturgut – zeitgenössische KünstlerInnen im Dialog mit römischen Steindenkmälern aus dem Landesmuseum Kärnten Ein Kooperationsprojekt von Museum für Quellenkultur, Landesmuseum für Kärnten und Museum Moderner Kunst Kärnten

Peter Jellitsch, geboren 1982 in Villach, absolviert seine Ausbildung an der Universität für angewandte Kunst und an der Akademie der bildenden Künste in Wien. Der Künstler agiert an den Schnittstellen von Wissenschaft und Kunst. Seine forschungsbasierte Arbeitspraxis entfaltet sich in einem vielschichtigen Prozess in virtuellen und analogen Welten. Zentral geht es um das Sichtbarmachen von eigentlich nicht Sichtbarem, um die Visualisierung alltäglich vorhandener, mit dem menschlichen Auge nicht wahrnehmbarer virtueller Phänomene und Strukturen.

Peter Jellitsch ist Exponent einer jungen Generation, deren Wahrnehmung der Wirklichkeit durch die neuen Technologien eine radikale Veränderung erfahren hat und die ganz selbstverständlich in neuen Dimensionen ihr Denk- und Arbeitsfeld aufspannt. Diese Ausweitung der herkömmlichen Grenzen und eine kritische Beobachtung der Realität sind Voraussetzungen des Werks und charakterisieren auch die fachübergreifende, integrative Denkart des Künstlers, wie seine Methoden und Techniken, die einerseits naturwissenschaftlich, streng-mathematisch und andererseits absolut künstlerisch, formal-ästhetisch angelegt sind. Der virtuelle Raum wird als relevante Größe der Realität begriffen. Dem Künstler geht es um die Herstellung eines Dialoges zwischen virtuellen Prozessen und dem physikalischen Realraum. Über die Handzeichnung nähert sich der Künstler den ephemeren Phänomenen an, führt sie in ein analoges Ergebnis über, indem sich die digitale Information der virtuellen Sphäre konkretisiert. Durch die Transformation entstehen imposante (so noch nie gesehene) abstrakte Bilder und Objekte. In der Burgkapelle setzt sich Peter Jellitsch mit dem zentralen Fresko von Ferdinand Fromiller auseinander. Er selektiert einzelne Teile der barocken Scheinmalerei – Darstellungen nicht greifbarer Inhalte, Atmosphärisches, Stimmungen, zwischenmenschliche Bezüge – und konfrontiert diese mit einer abstrakten Bildanalyse. Die spezifischen, erarbeiteten Fragmente werden in Form von Kompositionsskizzen, Zeichnungen und Objekten auf Präsentiertischen in der Kapelle gezeigt, die an eine Studiensituation erinnern. Die Rezipierenden setzen die Transformationen wieder in Bezug zum Original.

Die junge slowenische Künstlerin Eva Petrič ist auf verschiedenen Kontinenten, in unterschiedlichen Kulturkreisen aufgewachsen. Die Erfahrungen als Kosmopolitin haben ihren Blick auf die Welt und das Leben in dieser Welt geprägt und ihre Sensibilität geschärft. Mit diesen Voraussetzungen hat die Künstlerin eine individuelle, interdisziplinäre Sprache entwickelt. Frei und unkonventionell schöpft sie aus dem Fundus der Menschheitsgeschichte, wenn sie Märchen und Mythen, Zeichen und Symbole, Entdeckungen, Erfindungen und Relikte aufgreift, subjektiv auflädt, interpretiert und mit persönlichen Gedanken und Gefühlen verbindet, um damit zu neuen Erzählungen zu finden. In poetischen, geistigen oder realen Bildern und Bildräumen erzeugt sie, in phantastischen Inszenierungen, konkrete und imaginäre Räume.

In der Burgkapelle installiert Eva Petrič eine multimediale Arbeit, die auf einem ESA-Foto des Weltraumteleskopes „Hubble“ beruht, das neu entstandene Sterne und Sternkonstellationen abbildet. Diese spezifische stellare Formation baut Eva Petrič nach, indem sie unzählige kleine Spitzendeckchen zu großen, textilen Formelementen zusammennäht, die in der Kapelle kulissenhaft aufgespannt werden. Dazu kommen eine Soundkulisse mit NASA-Aufnahmen von Weltallgeräuschen, dem Gesang der Künstlerin und der Musik von ihr und Matija Strniša sowie fotografische Projektionen, die den Raum in ein interagierendes, evokatives, atmosphärisches Gefüge verwandeln. Der geistige Vorstellungsraum der Kapelle tritt über die limitierenden Grenzen seiner bisherigen Bestimmung. Die grundlegenden existentiellen Fragen, die im spirituellen Kontext virulent sind, werden in einen erweiterten Diskurs, abseits des religiösen Rahmens, gestellt, der Urknall-Theorie und theologischen Schöpfungsmythos verbindet.

Wolfgang Walkensteiner, 1949 in Klagenfurt geboren, studiert an der Akademie der bildenden Künste in Wien Malerei und legt 1973 bei Max Weiler sein Diplom ab. Seit 1972 ist er Mitglied des Kunstvereins Kärnten und seit 1994 der Gesellschaft bildender Künstler in Wien. Im Jahr 1976 hat er Österreich auf der 37. Biennale Internationale d’Arte in Venedig vertreten. Der Künstler hat in den vergangenen Jahrzehnten ein umfangreiches, heterogenes Œuvre entwickelt, das sich in Werkfasen gliedert, die sich, sowohl technisch als auch formal, deutlich voneinander unterscheiden. Konstant ist die inhaltliche Auseinandersetzung: In einem tiefen existenzphilosophischen wie fundamentalontologischen Diskurs umkreist Wolfgang Walkensteiner analytisch, im Sinne Martin Heideggers, die grundlegenden Fragen des menschlichen Daseins; des eigenen wie des Seins im Allgemeinen. Diese Befragung stellt vorerst den Menschen, häufig die eigene Person, dann das Tier ins Zentrum der künstlerischen Arbeit. Sie beziehen sich nicht selten auf mythologische Figuren und Erzählungen sowie auf gängige Typen der zeitgenössischen Gesellschaft und sind von überpersonellem, allgemeingültigem Aussagewert.

Im vergangenen Jahrzehnt hat der Künstler den Horizont seiner Untersuchungen über die Kreatur hinaus, ins Mikro- und Makrokosmische ausgedehnt, wo er in einem bildnerischen Erkenntnisprozess geistige und malerische Realitäten ergründet, um in den Tiefen der Materie und den Weiten des Raumes basale Strukturen des Seins offenzulegen. Das Ergebnis sind Verdichtungen philosophischer und psychologischer, rationaler wie emotionaler Aspekte; schlussendlich Werke eigener Realität, phantastische, formale Konstruktionen, großer technischer Könnerschaft und beeindruckender Suggestionskraft. Die Ausstellung präsentiert in zehn Räumen malerische, zeichnerische, skulpturale und installative Werke der vergangenen sieben Jahre, die einen tiefen Einblick in die jüngste Schaffensperiode vermitteln, und die künstlerische Reife, ungebrochene Geisteskraft und Kreativität, beeindruckende Ausdrucksstärke und Schaffensfreude einer solitären österreichischen Maler-Position unter Beweis stellen.

Parallel zur Personale von Wolfgang Walkensteiner wird in den letzten drei Räumen des Ausstellungsparcours eine Selektion aus der Kunstsammlung des Landes Kärnten/MMKK vorgestellt, die inhaltlich auf die Hauptausstellung ausgerichtet ist. Unter dem Titel „fokus sammlung. BIS WALKENSTEINER“ werden einzelne Werke der bedeutendsten KünstlerInnen der Sammlung gezeigt, die als Vorläufer des Künstlers in der Kärntner Malerlandschaft des 19. sowie der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts anzusehen sind.

(Buchpräsentation und Ausstellung im Foyer) VERRÜCKT. VERSPIELT. VERSCHROBEN. UNSERE SPÄTMODERNE GESELLSCHAFT | Texte und Bilder von Manfred Prisching, Bilder: Franz Yang-Močnik

zweintopf – seit 2006 agieren Eva Pichler und Gerhard Pichler als Künstlerduo mit vorsätzlich widerspenstigem Namen. Von der Steiermark aus präparieren sie in ortsspezifischen Installationen, Videos, Objekten und Kunst im öffentlichen Raum ihren Blick auf die globalisierte Welt, auf politische Zusammenhänge, ökonomische Zwänge und gesellschaftliche Phänomene. Temporäre Monumente und unangemeldete Interventionen formieren sich dabei gegen eine zunehmende Überwachung und Eventisierung des öffentlichen Raumes.

Im Ausstellungsraum erfahren handelsübliche Massenprodukte oder gefundene Objekte, Klischees und Kulturtechniken ihre Umdeutung innerhalb multimedialer Assoziationsfelder. Wenn nun in der Burgkapelle Versatzstücke einer vorgeblich funkelnden Waren- und Medienwelt auf die illusionistische Barockmalerei samt regionalem Heiligenkanon treffen, geht es neben der erfolgreichen Simulation verschiedener Welten nicht zuletzt auch um eine Verflachung der Welt. Hatte Josef Ferdinand Fromiller noch über die Geheimnisse der Geometrie versucht, die gebaute Wirklichkeit zu durchbrechen und dem Göttlichen einen sphärischen Raum zu eröffnen, so genügt innerhalb der relativ komplexen Warenwelt der heutigen Konsumgesellschaft längst ein vordergründiges, sich regelmäßig wiederholendes Spektakel und die mediale Vorspiegelung einer Wirklichkeit, die den Einzelnen und seine Handlungen für sich vereinnahmt. Der Titel „The Flat Earth Society“ ist dabei einer Bewegung entliehen, die wider aller wissenschaftlichen Erkenntnisse bis heute behauptet, dass die Welt eigentlich eine Scheibe ist.

Die Ausstellung beleuchtet unterschiedliche aktuelle ästhetische und symbolische Aspekte der reflektierenden Fläche. Diese hat – von der Antike bis heute – vielfältige symbolische, kunst- und kulturgeschichtliche Bedeutung. In den altertümlichen Kulturen repräsentiert der Spiegel das Abbild der Seele, er gilt als Mittel der Wahrheit und (Selbst-)Erkenntnis. In der Kunst des europäischen Mittelalters steht er für Keuschheit und Klugheit, aber auch für Eitelkeit und Wollust. In der Mystik ist er Zeichen der Offenbarung, im Barock ein Symbol der Vergänglichkeit. Er gilt als Medium der Selbstwahrnehmung, als Gerät der ichbezogenen Selbstverdoppelung sowie als Kultgegenstand okkulter Beschwörung übersinnlicher Kräfte. Seine metaphorischen Bedeutungen sind mannigfaltig und widersprüchlich. In der zeitgenössischen Kunst hat die Beliebtheit des Spiegels viele Ursachen: So bringt er in einer zunehmend säkularen Zeit die Ebenen der Transzendenz und der Magie ins Spiel. Er betont auch jenen Aspekt der narzisstischen Selbstüberhöhung, der in einer medialen Umgebung von Casting-Shows, Model-Wettbewerben und Talk-Runden zu einer gesellschaftlichen Leitidee wurde. Im 20. Jahrhundert emanzipiert sich der Spiegel vom Objekt der Darstellung zum Material sowie zum Gegenstand der Kunst selbst. Er ist sowohl Trägermedium als auch Kristallisationspunkt philosophischer und psychologischer Auseinandersetzung. Die Ausstellung versammelt Objekte und Skulpturen, Installationen, Fotoarbeiten, Videos und Filme von John Armleder, Pierre Bismuth, Jean Cocteau, Ira Cohen, Elmgreen & Dragset, Markus Hofer, Joan Jonas, Birgit Jürgenssen, Brigitte Kowanz, Elke Kruystufek, Friedl Kubelka, Hans Kupelwieser, Liz Larner, Inge Morath, Bruno Peinado, Norbert Pfaffenbichler, Michelangelo Pistoletto, Gerold Tagwerker, Franz West, Markus Wilfling, Erwin Wurm, Heimo Zobernig u. a. Eine Ausstellung des Belvedere in Wien. Kuratoren: Edelbert Köb und Thomas Mießgang

Das Kunstprojekt SHARE − Too Much History, MORE Future wurde anlässlich des Gedenkjahres 2014 vom damaligen Bundesministerium für Unterricht, Kunst und Kultur, jetzt ­Bundeskanzleramt/Kultursektion, initiiert. Es ist entstanden aus dem Geist der jahrzehntelangen freundschaftlichen ­Kooperation zwischen Österreich und Bosnien-Herzegowina und soll diese Verbundenheit weitertragen. Mit Unterstützung durch die Stiftung Sarajevo – Herz Europas, und damit der Europäischen Union, soll das Gedenkjahr 2014 über die ­Versöhnung mit der leidvollen Geschichte hinweg das Jahr des großen Dialoges werden. Die Ausstellung umfasst Videoarbeiten von Künstlerinnen und Künstlern aus Bosnien-Herzegowina und Österreich, die auf unterschiedliche Weise ­persönliche und kollektive Erinnerungen thematisieren und Fragen nach Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft formulieren. Die Filme erscheinen zusätzlich als Videoedition, das Projekt wird in einem wissenschaftlichen Katalog dokumentiert. Die Ausstellungen, Präsentationen und Diskussionen führen nach Sarajevo, Trebinje, Banja Luka, Belgrad, Zagreb, ­Ljubljana, Wien, Mons und Straßburg. In Klagenfurt werden die Werke der Ausstellung in Dialog mit ausgewählten Exponaten der Kunstsammlung des Landes Kärnten/MMKK gestellt und auf diese Weise in einen erweiterten Kontext gesetzt, regional verortet und inhaltlich neu aufgeladen und gedacht.

Beteiligte KünstlerInnen: Gordana Anđelić-Galić, Catrin Bolt, Igor Bošnjak, Mladen Bundalo, Marina Gržinić & Aina Šmid, Ana Hoffner, Anna ­Jermolaewa, Adela Jušić, Šejla Kamerić, Ernst Logar, Mladen Miljanović, Hermann Peseckas & Tommy Schneider, Irena ­Sladoje | Birgit Bachmann, Johannes Domenig, Ines Doujak, Josef Enz, Othmar Jaindl, Maria Lassnig, ­Valentin Oman, Eva Paulitsch, Ferdinand Penker, Wolfgang Reichmann, Fritz Russ, Meina Schellander und Ernst Vollbehr. Kuratorin: Annemarie Türk | Projektleitung: Karin Zimmer

SOME OF THE THINGS I DID 2010-2013 (Ausstellung im Foyer und Buchpräsentation) Claus Prokop, 1966 in Klagenfurt geboren. Studium der Architektur an der TU Wien, Studium der Malerei an der Akademie der bildenden Künste Wien und an The Cooper Union New York. In den letzten Jahren, neben der Malerei und dem Bau von Objekten, vermehrt im Bereich Kunst am Bau tätig. Präsentiert werden neben dem Katalog Entwurfsmodelle und ein Multiple mit Souvenir-Charakter für LE TOUR – LA TOUR sowie die im Katalog dokumentierte Materialsammlung mit dem Titel THINGS WE NEVER DID. Der Katalog dokumentiert Projekte der letzten Jahre, unter anderem LE TOUR – LA TOUR bei der Berufsschule für Tourismus in Warmbad Villach, Projekte für das Bürgerservicezentrum Ossiach, die Lymphklinik Wolfsberg oder die ÖVAG Wien.

Peter Krawagna wurde 1937 in Klagenfurt geboren. Er studierte an der Akademie der bildenden Künste in Wien und an der École des Beaux-Arts in Paris Malerei. Der Künstler ist ein Vertreter der so genannten „Naturabstraktion“ – einer österreichischen Sonderentwicklung, begründet in den 1920er-Jahren von Herbert Boeckl. Peter Krawagna forciert eine Malerei, die auf der Grundlage der Entdeckungen der Moderne basiert, die bei den Leistungen Paul Cézannes anknüpft, der seine Motive, dem Natureindruck folgend, unmittelbar – en plein aire –, möglichst deckungsgleich mit der visuellen Anschauung, auf der Leinwand wiedergibt. Was zählt, ist das momentane Erscheinungsbild, die optischen Phänomene unter den augenblicklichen Bedingungen – vor allem der Lichtverhältnisse, die den farbigen Eindruck maßgeblich bestimmen.

Das Ziel ist, ein bildnerisches Äquivalent dafür zu schaffen. Peter Krawagna geht ebenfalls von der sichtbaren Gegenstandswelt, von den alltäglichen Dingen aus und setzt sie unmittelbar in der Malerei oder in der Zeichnung um. Auf der Leinwand oder am Papier verwandelt sich das bekannte Visuelle in eine abstrakte Komposition, deren Thema nicht mehr die Abbildung oder Beschreibung der integrativen Form, der materiellen Gegebenheit und die Vermittlung der Motive durch ihre Oberfläche ist, sondern die Darstellung der optischen Erscheinung der Dingwelt und bestimmter physikalischer Phänomene. Der Ausgangspunkt der künstlerischen Handlung ist die konzentrierte und selektive Wahrnehmung, das Ergebnis ist eine abstrakte Farb-Form-Konstellation.

Die Ausstellung, die für 11 Räume des MMKKs konzipiert ist, präsentiert Werke aus allen Schaffensphasen des Künstlers, beginnend in den 1960er-Jahren bis heute, und wird von einer wissenschaftlichen Publikation mit Textbeiträgen von Christian Kravagna, Peter Weiermair und Christine Wetzlinger-Grundnig begleitet.

Die Kunstsammlung des Museums Moderner Kunst Kärnten umfasst heute mehr als 5000 Werke des 19., 20. und 21. Jahrhunderts. Sie dokumentiert das Schaffen der Kärntner Künstlerinnen und Künstler im nationalen und internationalen Kontext sowie die Ausstellungsaktivitäten des Museums Moderner Kunst Kärnten. Unter dem Titel „fokus sammlung“ werden regelmäßig die Sammlungsinhalte unter wechselnder thematischer Schwerpunktsetzung und durch eine spezifische Auswahl von unterschiedlichen Blickpunkten her durchleuchtet.

Parallel zur Personale von Peter Krawagna wird in den letzten drei Räumen des Ausstellungsparcours eine Selektion aus der Kunstsammlung vorgestellt, die inhaltlich auf die Hauptausstellung abgestimmt ist. Unter dem Titel „fokus sammlung. BIS KRAWAGNA“ werden einzelne Werke der bedeutendsten Künstler der Sammlung gezeigt, die als Vorläufer des Künstlers in der Kärntner Malerlandschaft des 19. sowie der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts anzusehen sind. Darunter Vertreter des Viktringer Malerkreises, wie Markus Pernhart als Repräsentant der Landschaftsmalerei des Biedermeier, sowie die Brüder Josef und Ludwig Willroider als Wegbereiter des Aufbruchs in die Moderne, weiters die Maler des Nötscher Kreises Anton Kolig, Franz Wiegele, Anton Mahringer und Sebastian Isepp, dann die Protagonisten der Zwischenkriegszeit Herbert Boeckl, Felix Esterl, Jean Egger, Arnold Clementschitsch oder Werner Berg. Mit dieser Begleitschau soll einerseits der Anforderung einer dauerhaften Sammlungspräsentation Genüge getan werden und andererseits wird zugleich die Ausstellung von Peter Krawagna durch die Werke der Kunstsammlung sinnhaft ergänzt und in einen größeren Zusammenhang gestellt.

Farbe und Licht in ihren physikalischen, materiellen und immateriellen Dimensionen sowie in ihren Relationen zu Form, Raum und Bewegung stehen im Zentrum der künstlerischen Arbeit von Edgar Knoop, die im Spannungsfeld von Kunst, Wissenschaft und Technik angesiedelt ist und in den Medien Skulptur, Fotografie, Tapisserie, Installation und Kunst im öffentlichen Raum ihre Umsetzung findet. Die großzügig und retrospektiv angelegte Werkschau im Museum Moderner Kunst Kärnten (13.03.2014 – 25.05.2014) versammelt Werkgruppen des 1936 in Dortmund geborenen Künstlers und langjährigen Hochschullehrers der Akademie der Bildenden Künste München aus allen Schaffensphasen, von den dreidimensionalen Farbprofilen der 1960er und 1970er Jahre über die Hologramme und Leuchtstoffobjekte der 1980er Jahre bis hin zu lichtkinetischen Reliefs, Collagen und Stelen, von großformatigen Arbeiten des letzten Werkabschnitts networks bis hin zu den aktuellen Fotoserien wie Objets trouvés en Maghreb (2008). Edgar Knoop lebt und arbeitet seit 2002 in Seeboden / Millstätter See, Österreich.

Ebenso lange, wie der Wettstreit der Künste existiert, nämlich seit der Antike, ist auch ein ausgesprochenes gegenseitiges Interesse der unterschiedlichen Disziplinen aneinander zu verzeichnen. So finden sich zahlreiche Beispiele in der Kulturgeschichte, in denen sich Künstler mit Literatur und umgekehrt Literaten mit Kunstwerken auseinandersetzen sowie unzählige Phänomene der Doppelbegabung die künstlerische Ausdrucksäquivalente im jeweils anderen Feld suchen. Offensichtlich gibt es neben einem dialogischen auch immer schon ein emphatisches Verhältnis von Künstlern und Schriftstellern, die derselben Aufgabe, der Expression einer Idee durch ein entsprechendes Werk verpflichtet sind. In dieser Hinsicht zeigen sich Literatur und Kunst als ebenbürtige Medien in einem gemeinsamen ästhetischen Kontext.

Heute haben die Künste traditionelle Hierarchieordnungen hinter sich gelassen und nutzen das Potential des anderen für das eigene. Bild und Text nähern sich an, verschränken sich und führen zu einer erweiterten und vertieften Darstellungs- bzw. Aussagekraft. So wird das eine dem anderen zum Vorbild und zur Herausforderung, zum Anstoß und zur Inspiration, zum Werkzeug und Instrumentarium. Die Ausstellung versammelt 16 aktuelle künstlerische Positionen, die unterschiedliche Dialogweisen zwischen bildender Kunst und Literatur vorführen. Im Brennpunkt stehen Arbeiten, die von der bildenden Kunst ausgehen, von literarischen Quellen bzw. Methoden inspiriert und beeinflusst sind. Es geht in erster Linie um künstlerische Strategien im Umgang mit Literatur und in zweiter Linie um literarische Formen und Expressionen im Umgang mit bildender Kunst. Die Werke beziehen sich auf sämtliche bildnerische Medien und sind in ein umfassendes, gesamträumliches Konzept mit dramaturgischem Zusammenhang eingebunden, der von visuellen, auditiven und performativen Darstellungsformen bestimmt ist. *Ingeborg Bachmann

Sibylle von Halem interessieren die realen, gedachten und gefühlten Orte, an denen das Individuum mit seiner Umwelt in Berührung kommt, sowie die starken, grundlegenden Gefühle, die entstehen, wenn die Innenwelt eines ganz auf sich selbst zurückgeworfenen Menschen und die Außenwelt aufeinandertreffen. In ihren luftigen, textilen Installationen und Objekten wie auch in ihren Arbeiten in Stein präsentiert uns die Künstlerin persönliche Schutzhüllen und intime Orte des Menschen – wie Haut und Kleidung oder Betten, Duschen und Behausungen – als Schnittstellen zwischen Innen und Außen, als Orte zwischen Privatheit und Öffentlichkeit. Geborgenheit und Verletzlichkeit liegen hier eng beieinander, und das eine kann ganz schnell in das andere übergehen.

Das griechische Wort „Opaion“ bezeichnet eine zentrale Öffnung an der höchsten Stelle einer Kuppel. Sibylle von Halem reagiert in ihrer Arbeit in der Burgkapelle auf die barocke, illusionistische Freskomalerei, die den ehemaligen Sakralraum bestimmt, insbesondere auf die gemalte, scheinarchitektonische Kuppel, die sich zum Himmel hin öffnet. Dorthin lenkt die Künstlerin durch die Mittel ihrer Installation den Blick der BetrachterInnen. Christlich Ikonografisches weitgehend ausgeblendet, das Individuum im Fokus, stellt Sibylle von Halem ganz allgemein die Frage nach den spirituellen Bedürfnissen des Menschen. In der Auseinandersetzung mit der Burgkapelle tritt erstmals das Über-sich-hinauswachsen-Wollen des Einzelnen, das uns die Künstlerin als ein dringendes menschliches Verlangen im Spannungsfeld zwischen freiem Willen und Zwang erfahren lässt, ins Zentrum ihrer künstlerischen Arbeit.

nach Lilian Faschinger (Theatervorstellungen in der Burgkapelle)

Magdalena Sünderin nach Lilian Faschinger Eine siebenfache Mörderin entführt einen katholischen Priester, um in einer aberwitzigen Beichte ihr Gewissen zu erleichtern. Eine packende und komische Abrechnung mit dem Landleben, der Kirche und der unausweichlichen Katastrophe zwischen Mann und Frau, geschrieben in einer entfesselten musikalischen Sprache, zum ersten Mal für das Theater bearbeitet.

Regie: Ute Liepold Mit: Jutta Fastian, Miha Kristof und Heinz Weixelbraun

Ferdinand Orsini-Rosenberg hat sich entschlossen, rund 40 Porträts seiner Ahnen - ausgewählt vor allem jene Persönlichkeiten, die in den vergangenen Jahrhunderten im öffentlichen Leben Kärntens eine Rolle gespielt haben - vorwiegend Kärntner KünstlerInnen zum "Faceliftigng" anzubieten....

Skulptur und Chromstahl. Installation im Innenhof des Museums für Moderne Kunst Kärnten, Klagenfurt. Eröffnung: Sonntag, 7. Juli, 11.00 Uhr

Die Tierdarstellung ist ein beliebtes Thema und eine bedeutende Gattung der gegenständlichen Malerei. Der Artenreichtum, die Schönheit und Eigenart der Tiere, aber auch ihre Kraft und Überlegenheit sowie die Nähe der kreatürlichen zur menschlichen Existenz haben das Tier von jeher in ein enges Verhältnis zum Menschen gesetzt, das sich auch in der Kunst- und Kulturgeschichte widerspiegelt. Die Tierdarstellung zählt zu den ältesten bildnerischen Motiven, die seit der Höhlenmalerei bis heute in immer neuen Ausformungen und mit wechselnder inhaltlicher Aufladung in einer immensen Vielfalt und künstlerischen Bandbreite erscheint.

Die Entwicklung des Genres, das erst seit dem 17. Jahrhundert als eigenständige Bildgattung gilt, zeigt eine lange Geschichte vielfältigster Einflüsse und Veränderungen, die stets mit der jeweiligen darstellerischen Intention in Zusammenhang stehen. Immer geht es um die Relation von Mensch zu Tier, die den Blick auf das Motiv anleitet und seine Klassifizierung bestimmt. Das Tier erscheint als Freund und gleichermaßen Feind des Menschen, ist Jäger und Beute, wird geliebt, bewundert, gefürchtet und missachtet. Es ist Attribut, Symbol, Metapher, Vermittler einer Botschaft, die sich stets auf menschliche Eigenschaften, Befindlichkeiten, Ängste und Sehnsüchte bezieht, oder aber bloßes Objekt zum Zwecke (kunst-)wissenschaftlicher Erforschung.

Die Ausstellung präsentiert ca. 150 Werke der eigenen Kunstsammlung aus den vergangenen 150 Jahren in den Medien Malerei, Grafik, Skulptur, Installation und Video, die nahezu alle stilistischen und technischen Tendenzen und Entwicklungen seit dem Biedermeier abdecken. Die Arbeiten sind thematisch zu einzelnen Gruppen zusammengefasst, die von den heimischen Nutz-, Haus- und Wildtieren bis zu den exotischen Exemplaren, Fabelwesen und Kuscheltieren reichen. Die Integration von Werken mit animalischen Relikten erweitert konzeptuell den bunten Reigen.

Luisa Kasalicky führt einen komplexen Diskurs, der die Malerei, ihre Rahmenbedingungen, Mittel und Möglichkeiten betrifft. Dabei agiert die Künstlerin mit plastisch-installativen Materialien situationsspezifisch im Raum. Sie baut und schichtet an Wänden und am Boden und erzeugt handwerklich „Bilder“, geometrisch-abstrakte Werke. Aus einfachen Bau- und Einrichtungsmaterialien entstehen assoziativ aufgeladene Assemblagen, die die Prinzipien der Malerei aufnehmen. Es handelt sich quasi um Malerei ohne zu malen. Die banalen Materialien führen zu neuen und ungewöhnlichen ästhetischen Erfahrungen, die die klassischen Kategorien des bildnerischen Gestaltens wie auch die Bedeutungszuschreibungen der Gebrauchswaren aufheben, neue Definitionen einführen bzw. Verborgenes hervorkehren.

In der Burgkapelle begegnet Luisa Kasalicky den barocken Fresken von Josef Ferdinand Fromiller, indem sie der illusionistischen Scheinmalerei ebenbürtige zeitgenössische Mittel entgegensetzt, die weitere Perspektiven erzeugen und die Blickführung bzw. Wahrnehmung – ebenso eloquent wie die Mittel des barocken Illusionismus – zu anderen Sichtweisen und Erkenntnissen umleiten. In einer multimedialen Installation, in theatralischer Inszenierung und performativer Komponente wird den BesucherInnen quasi eine Erzählung vorgestellt, die ganz neue Deutungen und Zusammenhänge herstellt. Dabei werden der Symbol- und Zeichencharakter sowie die jeweiligen Bedeutungszuschreibungen der einzelnen Gegenstandselemente in subjektiver Interpretation gedeutet. Das historische Werk und die aktuellen Arbeiten verbinden sich im Spiel mit den Konnotationen und Assoziationen zu einem völlig neuen Ergebnis in neuer inhaltlicher Aufladung. Hinzu kommt eine temporäre musikalische Performance von Siegfried Zaworka, deren Tonaufzeichnung das Werk als auditive Metaebene begleitet.

Jochen Traar, 1960 in Essen (D) geboren und in Kärnten aufgewachsen, studierte bei Bruno Gironcoli an der Akademie der bildenden Künste in Wien. Der Künstler selbst versteht sich, obzwar er sich in seiner Arbeit eines äußerst heterogenen und weitgefächerten Spektrums an künstlerischen Möglichkeiten bedient, dennoch als Bildhauer, dessen Tätigkeitsfeld sich auf einen erweiterten Begriff von Skulptur bezieht. Der Bogen spannt sich von skulpturalen und installativen Werken im Sinne von herkömmlichen dreidimensionalen plastischen Arbeiten, die zumeist auf einfachen Alltagsmaterialien bzw. auf unspektakulären Gegenständen des täglichen Gebrauchs begründet sind, in denen die Bedingungen und Mittel des räumlichen Gestaltens untersucht werden, bis hin zu quasi sozialen Skulpturen, als partizipatorische, orts- und situationsspezifische Interventionen und Projekte im öffentlichen Raum, die grundlegend der Thematik von Strategie und Struktur im gesellschaftlichen Zusammenhang gewidmet sind.

Mit Scharfsinn und Humor begegnet Jochen Traar der soziopolitischen Realität unserer und seiner Lebenswelt und seziert und analysiert ihre Funktionsmuster und Zusammenhänge, um sie dem Betrachtenden in Anschauung und Erfahrung zu vermitteln. Der Einbezug des Rezipierenden überrascht, verwirrt und fordert ihn auf – bei allem Unterhaltungswert der künstlerischen Inszenierung –, einen kritischen Blick hinter die trügerischen Kulissen des privaten und des öffentlichen Alltags zu werfen. Die Banalität des ersten Blicks erweist sich in der Reflexion als effektives Mittel subtiler Entlarvung.

Die aktuelle Schau präsentiert unterschiedliche Werkserien der vergangenen zwei Jahrzehnte – allesamt überaus ungewöhnliche Resultate einer äußerst unkonventionellen künstlerischen Praxis. Die Ausstellungsinhalte sind in einer begleitenden Publikation mit Texten von Bernd Liepold-Mosser, Reinhard Kacianka, Andreas Krištof, Martin Kušej und Christine Wetzlinger-Grundnig zusammengefasst und dokumentiert.

Der ehemalige Sakralraum der Burgkapelle wird von Jochen Traar in einen Ort profaner Begegnung verwandelt. Umfunktioniert in einen öffentlich (von der Straße her direkt) zugänglichen Aufenthaltsraum mit Sitzgelegenheiten und mit einer kleinen Bibliothek, die Publikationen zu unterschiedlichsten Bereichen der Thematik „Lebenshilfe“ im weitesten Sinne umfasst, ausgestattet und mit der mehrdeutigen Bezeichnung „the local“ versehen, die einerseits auf den Ort, auf das „Lokal“, und andererseits auf den Ortsansässigen verweist. Letztere Interpretation verknüpft den Titel mit dem konkreten inhaltlichen Programm, das in der Burgkapelle, parallel zur Ausstellung von Jochen Traar im MMKK und als Teil davon, eine geschlossene Reihe an verschiedensten Vorträgen aus allen möglichen Lebensbereichen anbietet.

Die Referentinnen und Referenten, die grundsätzlich aus der Region stammen sollten bzw. einen Bezug dazu haben müssen, repräsentieren mit ihrem speziellen Können und Wissen eine besondere Güte vor Ort, auf die der Fokus gelegt wird. Qualitäten werden sichtbar gemacht und in den Vordergrund gerückt, die im Alltagsleben der öffentlichen Aufmerksamkeit entgehen, hinter der Dominanz lancierter tagesbestimmender Themen unsichtbar bleiben. Das spezifische Werk des Künstlers ist die Arbeit im sozialen Umfeld – wie wir sie von Jochen Traar kennen –, die Intervention und das reale Projekt als Versuchsanordnung.

Der Künstler liefert die Idee und die Strategie als Input und stellt Möglichkeiten zur Verfügung, die entweder angenommen und entwickelt oder aber verweigert werden können. Beide führen den prozessualen Verlauf zu einem Ergebnis unterschiedlicher Aussagekraft. Zugleich wird das Museum für ganz neue gesellschaftliche Inhalte zugänglich gemacht und zeigt sich als Ort der sozialen Begegnung und Diskussion. Die Aufgabe der Kunst, des Künstlers sowie der Institution werden selbstkritisch überprüft, in Frage gestellt und vielleicht sogar neu definiert.

Fritz Steinkellner (geb. 1942), der in den frühen 1970er-Jahren mit Siebdrucken bekannt geworden ist, ist eine jener österreichischen Künstlerpersönlichkeiten, die sich Zeit ihres Schaffens am Rande des Kunstbetriebs bewegt und ihre eigene Arbeit kompromisslos vorangetrieben haben. Abseits des Sogs aktueller Tendenzen hat der Künstler in den vergangenen vier Jahrzehnten ein überzeugendes, einzigartiges Œuvre entwickelt, dessen Qualitäten es noch zu entdecken gilt!

Das umfangreiche und vielschichtige Werk umfasst die Medien Zeichnung, Malerei, Druckgrafik und Objektkunst. In unterschiedlichen Phasen werden die zentralen Fragestellungen nach Gegenstand und Abbild, Transformation und Verwandlung, letztlich nach Wahrnehmung und Erkenntnis in immer neuen Varianten inhaltlicher Aufladung und technischer Ausführung umkreist. Dabei werden die bildnerischen Mittel bis an die Grenzen des Möglichen herangeführt. Zentral im Werk ist das Spiel der Wandlung. Der Wechsel des Motivs von einem Medium in das andere und die Veränderung des jeweiligen Fokus zeitigen eine überwältigende Palette verschiedener Erscheinungsformen. Fritz Steinkellner sucht nach einer geeigneten Sprache, um die Möglichkeiten künstlerischer Arbeit auszuloten. Die intellektuelle Auseinandersetzung wird bildnerisch ergründet und in ein visuelles Werk überführt. Die faszinierende Vielfalt seines Schaffens, das in ein subtiles System geistiger und formaler Ordnungen eingebunden ist, wird in der Ausstellung eindrucksvoll präsentiert. Es sind Arbeiten sämtlicher Werkphasen versammelt, die in der spezifischen Zusammenstellung den Umfang und die Tiefe des Œuvres vorführen sowie die stringenten Werkzusammenhänge, über alle Grenzen von Inhalt und Form hinweg, anschaulich und verständlich machen.

Die Landschaft ist neben dem Historienbild, dem Porträt und dem Stillleben die bedeutendste Gattung der Malerei. Die Entwicklung des Genres, das in Europa erst seit dem 17. Jahrhundert eine eigenständige Bildgattung darstellt, zeigt eine Geschichte vielfältigster Einflüsse und Veränderungen, die stets mit der jeweiligen darstellerischen Absicht in Zusammenhang stehen und in den wechselnden sozio-politischen und kultur-philosophischen Bedingungen begründet sind. Die Landschaftsmalerei bezieht sich auf die bildliche Darstellung des Naturraumes bzw. auf einen Ausschnitt daraus. Häufige Motive sind die Ebene, Wald-, Park-, Fluss- und Dorflandschaften, Stadtansichten, Meeres- oder Seestücke, die Küste und das Gebirge. Diese Themen spiegeln sich auch in der Ausstellung wider, ergänzt durch aktuelle zeitgenössische Auseinandersetzungsformen mit der Thematik, formuliert in malerischen Abstraktionen oder fotografischen und filmischen Konstruktionen von Landschaft.

In der Ausstellung werden etwa 160 Werke aus der Kunstsammlung des Landes Kärnten/MMKK gezeigt, die unterschiedliche Positionen der Landschaftsdarstellung im 19., 20. und 21. Jahrhundert dokumentieren. Sie vermitteln einen repräsentativen Querschnitt der Sammlungsqualitäten und geben ein Bild heterogener künstlerischer Auffassungen in einem weiten Spektrum wieder. Dem 19. Jahrhundert, in dem die Grundlagen für die Moderne vorbereitet wurden, ist ein eigener Abschnitt gewidmet, hier finden sich Werke von Max und Eduard von Moro, Markus Pernhart und der Brüder Ludwig und Josef Willroider. Die Arbeiten der Künstlerinnen und Künstler des 20. und 21. Jahrhunderts sind in den oben genannten Motivgruppen in den einzelnen Ausstellungsräumen zusammengestellt. Die Besucherinnen und Besucher sind eingeladen, bei einem interessanten und vergnüglichen Spaziergang durch diese abwechslungsreiche Landschaft das Potential und die Vielfalt des Genres zu erleben.

Die Kölner Künstlerin Heike Weber beschäftigt sich mit der Erweiterung der Zeichnung in den Raum. Ihre linearen Gestaltungen verlassen den Bildträger, kommen ohne Trägermaterial aus, schweben oder liegen frei im Raum und nehmen plastische Qualitäten an. Oder sie bedecken die Flächen, die Böden, Wände und Decken von Räumen, passen sich ihnen an, brechen sie optisch auf und machen den Raum selbst damit zum Bildträger und – im radikalsten Falle des All-over – zur begehbaren Zeichnung. Ihre Zeichenmaterialien findet die Künstlerin in Alltäglichem. Sie zeichnet mit Haarnetzen, Wäscheleinen, Klebepunkten, Fenstermalfarbe, Teppichmeterware, Kreppband oder Permanentmarkern aus PVC u.s.w..

Für die Burgkapelle des MMKK, dessen Wände und Decke mit barocken Malereien von Josef Ferdinand Fromiller bedeckt sind, produziert Heike Weber einen fast Boden füllenden Kelim (türkisch: "kilim") aus Silikon. Sie konfrontiert den illusionistisch ausgestalteten Raum mit einem Teppich, den man ebenso als „illusionistisch“ bezeichnen kann, besteht er doch allein aus der in Silikon gezeichneten, plastischen Ornamentik des Bodenbelags. Neben Fragen der Ikonografie, Ikonologie und des Kulturtransfers wird durch die Konfrontation ein Themenfeld eröffnet, das sich zwischen den Polen Orient und Okzident, Sakrales und Profanes, Tradition und Moderne ausbreitet. Ein fliegender Teppich orientalischer Herkunft trifft auf die Himmelsfahrt eines Regionalheiligen Kärntens.

Das Museum Moderner Kunst Kärnten widmet sich in einer umfangreichen Personale dem vielschichtigen und facettenreichen Werk von Hermann Nitsch – einem der bedeutendsten und zugleich umstrittensten österreichischen Gegenwartskünstler.

Die Ausstellung präsentiert Arbeiten aus sämtlichen Perioden des weitläufigen, jedoch äußerst stringenten Œuvres, in dem letztlich alle Aspekte im Gesamtkunstwerk des Orgien Mysterien Theaters kulminieren, und bezieht sich auf alle Disziplinen und Mittel sinnlicher Ausdrucksform, derer sich der Universalkünstler Hermann Nitsch bedient, um – im Hinblick auf eine Intensivierung und orgiastische Steigerung der Wahrnehmung und Empfindung – alle fünf Sinne zu berühren und in einem exzessiven Gesamterlebnis zusammenzuführen. Der Überblick reicht von frühen malerischen und zeichnerischen Werken der 1950er-Jahre, in denen der Künstler figürliche Darstellungen religiösen Inhalts von historischen Vorläufern wie Rembrandt oder etwa Tintoretto nachempfindet, über die Aktionsmalerei, Schüttbilder und Bildobjekte, bis zu aktuellen malerischen Arbeiten.

Ein besonderes Augenmerk gilt der Grafik, die sich von der informellen Zeichnung über die Architekturzeichnungen des Orgien Mysterien Theaters bis hin zum überwältigenden druckgrafischen Werk des Künstlers erstreckt. Einbezogen sind ebenso fotografische wie filmische Dokumentationen wie auch Aktionsrelikte, Musik, skripturale Partituren, Farbskalen und eine Geruchsapotheke, die die Zusammenschau aller Teilbereiche des Gesamtkunstwerks ergänzen. Einen besonderen Höhepunkt bildet die Burgkapelle, die von Hermann Nitsch genutzt wird, um – in geradezu idealtypischer Weise – die eigenen religiösen Werkaspekte vor dem historischen, barocken Freskenschmuck von Josef Ferdinand Fromiller zu spiegeln. Die Werke der Personale stammen zu einem Gutteil aus dem Besitz des Künstlers, darüber hinaus gibt es zahlreiche Leihgaben von österreichischen und internationalen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Den ehemaligen Sakralraum der Burgkapelle nutzt Hermann Nitsch um - in geradezu idealtypischer Weise - die eigenen religösen Werkaspekte vor dem historischen barocken Freskenschmuck von Josef Ferdinand Fromiller zu spiegeln.

Sigrid und Franz Wojda, beide in Kärnten geboren und in Wien sowie im Burgenland ansässig, haben in den vergangenen 40 Jahren gemeinsam eine beachtliche Sammlung zeitgenössischer österreichischer und internationaler Gegenwartskunst aufgebaut, die heute wohl zu den bedeutendsten Privatsammlungen dieses Landes zählt.

Die aktuelle Ausstellung soll mit 146 Arbeiten von 57 Künstlerinnen und Künstlern den Schwerpunkt der Sammlung, der sich auf reduktive, konzeptuelle und analytische Kunst bezieht, umfassend darstellen. Die ausgestellten Werke repräsentieren das Herzstück der Sammlung Sigrid und Franz Wojda, die vor allem Malerei und Grafik, aber auch Skulpturen, Installationen, Animationen und Videos beinhaltet. Die Bandbreite der Werke reicht von Klassikern der minimalistisch-abstrakten Malerei, wie den US-Amerikanern Josef Albers oder Robert Barry, über Arbeiten der nachfolgenden Generation internationaler Stars, darunter François Morellet, Helmut Federle, Günter Umberg, Imi Knoebel oder Katharina Grosse, bis hin zu den übernational reüssierenden österreichischen Künstlerinnen und Künstlern Franz West, Heimo Zobernig, Gerwald Rockenschaub, Brigitte Kowanz, Erwin Bohatsch, Helmut Scheibl oder Herbert Brandl.

Die Ausstellung wurde gemeinsam mit Sigrid und Franz Wojda sowie Edelbert Köb konzipiert. Sigrid Wojda, die mit großer Begeisterung vor rund zwei Jahren mit uns gemeinsam das Projekt aufgenommen hat, ist während der Konzeptionsphase völlig unerwartet schwer erkrankt und letzten Juli verstorben. Zu unserem größten Bedauern war es ihr nicht mehr möglich, die Finalisierung des Projektes mit ihrem umfassenden Wissen zu begleiten und die Umsetzung in der Ausstellung zu erleben. Als Zeichen der Ehrerbietung und Würdigung dürfen wir das Ausstellungsprojekt Sigrid Wojda widmen.

Markus Hanakam (*1979) und Roswitha Schuller (*1984) bedienen sich vielerlei Medien – Video, interaktive Computeranwendung, Installation, Zeichnung. Sie beschäftigen sich mit aktuellen zeitgenössischen künstlerischen Strategien, die sie sich aneignen, um sie auf ihre eigene, oftmals ironische Weise, zu verwerten. Häufig agieren sie in ihren Arbeiten mit anonymen Objekten, mit industriell gefertigten Kunststoffteilen, die durch Zuordnung von Eigenschaften und Funktionen zu emotional besetzten Charakteren werden und dann in Filmen, Animationen und Installationen zum Einsatz kommen.

»Hanakam & Schuller schaffen virtuelle Räume, die sich durch ein komplexes System aus Inszenierungen und einem Zusammenspiel aus Zitaten zu einem eigenen Kosmos entfalten. Durch die entfremdete und personifizierte Darstellung industrieller Produkte und Alltagsgegenstände innerhalb eines neuen Settings führen Hanakam & Schuller mit ihren Arbeiten letztlich den Bruch mit der Konsumwelt vor Augen.« (Margarita Rukavina, 2010). Diesen Ansatz verbinden sie in der Burgkapelle mit einer Paraphrasierung das Designs der Garden Grove Community Church – der ersten Drive-in Kirche der USA (Architekt: Richard Neutra); heute Zentrum der evangelikalen Freikirche um Fernsehprediger und Ratgeberautor Robert H. Schuller, aus der das internationale TV-Format Hour of Power übertragen wird – zu einer komplexen installativen Arbeit, die gleichermaßen formal-ästhetische wie inhaltliche, analytisch-kritische Fragestellungen aufwirft. Hanakam & Schuller sind seit 2005 in Ausstellungen in Europa, den USA, Japan und Russland (4th Moscow Biennale of Contemporary Art 2011) vertreten. Für ihre Arbeit erhielten sie bereits bedeutende nationale und internationale Auszeichnungen, wie das MAK Schindlerstipendium in Los Angeles (2008) oder den Jury-Preis für INVASION beim Japan Media Arts Festival 2012.

Der Titel der Ausstellung entspricht dem formalen Gestaltungsprinzip von Melitta Moschiks Gesamtwerk, in dem die Künstlerin visuelle Zeichen und Kürzel der Realität – mit denen wir heute, in einer mediatisierten Welt, in konkreter und virtueller Form kommunizieren – aufgreift und diese in den Kunstkontext überführt. Melitta Moschik nimmt gleichermaßen auf Positionen der Wissenschaft wie auf Phänomene der Alltagskultur Bezug und transformiert diese in Objekte und Installationen, deren reduzierte Formensprache die Konzentration auf die wesentlichen Informationsstrukturen ihrer Inhalte vermittelt. Die Ausstellung ist retrospektiv angelegt und zeigt Werkserien der Jahre 1991 bis 2011, die Fragen der Wahrnehmung und Repräsentation von Wirklichkeit behandeln. Die puristischen Werke – computergeneriert, umgesetzt in industriellen Materialien, maschinell hergestellt und geprägt von technologischer Ästhetik – thematisieren wissenschaftliche, soziokulturelle und mediale Phänomene und bewegen sich im Spannungsfeld von Kunst, neuen Medien und Architektur.

Den Anfang und das Ende der Ausstellung "Reality Shapes" bildet die Installation ELNIGHTENMENT, 2011, in der Burgkapelle. Vor der barocken Freskomalerei der Altarwand ist ein schwarzer, quadratischer Monitor auf einem weißen Sockel postiert, der im sequentiellen Wechsel verschiedene geometrisch-abstrakte und farblich differenzierte Leuchtsignale aussendet. Die profanen elektronischen Lichtzeichen treten in Dialog mit der sakralen, barocken Malerei und stellen einen zeitgenössischen Bezug zur historischen Raumgestaltung her.

Irene Andessner / Timm Ulrichs Abendmahl MMKK – Lebendes Bild nach Leonardo/Ulrichs Interaktive Performance in der Burgkapelle im Museum Moderner Kunst Kärnten

Die Ausstellung versammelt 15 aktuelle zeitgenössische österreichische und internationale Positionen geometrisch-abstrakter, minimalistischer Kunst.

Die einzelnen Beiträge repräsentieren heterogene Einzelpositionen, die in der Ausstellung in der Weise verknüpft werden, dass ein möglichst umfassender Überblick über die große Vielfalt heutiger Möglichkeiten und Tendenzen innerhalb des konstruktivistischen Spektrums vermittelt werden kann. Die Arbeiten sind weitestgehend durch unterschiedliche Ansätze, Intentionen und historische Bezugspunkte motiviert. Das verbindende Element ist der stilistische Impetus: der Wille zur unfigurativen, geometrischen Gestaltung – die sich als eine mögliche Variante bildnerischen Denkens und Handelns anbietet, deren Wurzeln in den konstruktivistischen bzw. konkreten Strömungen des frühen 20. Jahrhunderts liegen und die ihre Tragfähigkeit bis heute nicht verloren hat –, und ihre nunmehr bereits rund einhundertjährige Entwicklungsgeschichte, auf die sich die Künstlerinnen und Künstler heute beziehen können.

Die Auswahl der Beiträge konzentriert sich auf aktuelle Arbeiten in den unterschiedlichsten medialen Möglichkeiten, von der Malerei über die Zeichnung, Film und Fotografie, Objekt- und Rauminstallation bis hin zu Animationen und (Farb/Licht-)Projektionen sowie zu akustischen Experimenten. Moderne und ungewöhnliche Mittel und Materialien, wie Plexiglas, Schwarzlicht und Polyester oder filigrane Papier- und monumentale Filzfaltungen, treffen aufeinander und beschreiben ein überraschendes, spannendes und abwechslungsreiches Bild einer Kunstform, die es in Österreich, in ihrer ganzen Bandbreite und Bedeutung, erst zu entdecken und nachhaltig zu positionieren gilt.

KünstlerInnen: Hellmut Bruch | Inge Dick | Sabina Hörtner | Manuel Knapp | Suse Krawagna | Eric Kressnig | Zorka L-Weiss | Manfred Mörth | Ingo Nussbaumer | Harald Pompl | Miriam Prantl | Regine Schumann | Gerold Tagwerker | Mar Vicente | Peter Weber

Eva Paulitsch und Uta Weyrich agieren an den Schnittstellen von privatem und öffentlichem bzw. institutionalisiertem Raum, wirken zwischen Kunst und Gesellschaft. Sie verbinden virtuelle und reale Sphären, interventionistische und partizipatorische Strategien mit klassischen Formen der installativen, musealen Präsentationspraxis und nutzen neue und neueste Techniken der elektronischen Bildgenerierung und -vermittlung. Als Basismaterial ihrer Arbeit nutzen die Künstlerinnen aktuelle private Handyvideos von Jugendlichen und integrieren diese als authentische, persönliche Zeugnisse aktueller Realitätswahrnehmung, als unmittelbare, subjektive Blicke auf die Wirklichkeit, in ihr Werk. Die Zusammenschau der unterschiedlichen Aufnahmen scheinbar unwesentlicher Dinge ergibt ein fesselndes, umfassendes Bild der zeitgenössischen Lebenswelt und Gesellschaft als zeithistorisches Dokument, zusammengesetzt aus flüchtigen Streiflichtern, selektiert aus einer alltäglichen, rasenden Bilderflut.

In der Burgkapelle sind die Filme auf scheinbar frei im Raum schwebenden Flächen wiedergegeben und verwandeln den Ort in einen Erfahrungsraum, der den Betrachtenden einbezieht. Die virtuelle Weltenkonstruktion ist in direktem Bezug auf die barocke Scheinmalerei von Josef Ferdinand Fromiller inszeniert. Zwei unterschiedliche illusionistische Bildräume treffen so aufeinander – die statische, historische, religiös motivierte, spirituelle Darstellung der Apotheose des Hl. Domitian begegnet dem dynamischen, modernen Befund einer heutigen, profanen, materialistisch-kommerziellen Sozietät – und liefern in der Konfrontation eine komplexe Analyse zu Fragen der Gesellschaft sowie der Kunst und gleichzeitig stellen sie die Wahrnehmungsgewohnheiten, Blickwinkel und Erfahrungen der Rezipierenden auf die Probe. Technische Realisation: Philipp Contag-Lada, www.7PC.de

Eröffnung: Mittwoch, 8. Juni 2011, 19.30 Uhr | „ANSICHTSSACHEN. Menschenbilder“ ist die zweite Ausstellung in der Reihe fokus sammlung, deren Ziel es ist, den Bestand der Kunstsammlung des Landes Kärnten zu bearbeiten und der Öffentlichkeit vorzustellen.

Der Sammlungsinhalt soll jährlich in einzelnen Ausstellungen mit wechselndem Thema unter immer neuen Blickwinkeln geprüft und in seiner Qualität und Vielfalt präsentiert werden. Das Menschenbild ist neben der Landschaftsmalerei das bedeutendste Genre der Sammlung. Das Motiv ist von dauerhafter Attraktivität, der Mensch, ob in seiner äußeren Gestalt oder in seiner Befindlichkeit, als leibliches oder psychisches Wesen, als Individuum oder im sozialen Kontext, als ästhetischer oder diskursiver Gegenstand, hat stets, in unterschiedlicher Weise, die künstlerische Auseinandersetzung herausgefordert. In der Ausstellung wird das Genre querschnitthaft, anhand von etwa 130 Werken von 60 KünstlerInnen, in einem möglichst breiten Spektrum von unterschiedlichen Medien, von der Malerei, Zeichnung und Fotografie bis zu skulpturalen und elektronischen Techniken, vorgeführt. Die Beiträge, vom Biedermeierporträt bis zu heutigen Darstellungen, sind nach den klassischen Kategorien des Genres Porträtkunst systematisiert, nach Kinderporträt, Familienbild, Damen-, Herren- und Selbstporträt, dem weiblichen und männlichen Akt, nach Einzel-, Doppel- oder Gruppenbildnis gegliedert und nach Themenkreisen, die sich aus der Sammlung ergeben haben. Es treffen Werke aufeinander, die sich in einem zeitlichen Rahmen von bis zu 200 Jahren bewegen und sich in der Konfrontation bewähren müssen. Im direkten Gegenüber werden Merkmale und Qualitäten verglichen und gleichzeitig wird eine kleine Entwicklungsgeschichte des jeweiligen Themas erzählt.

Die in Berlin und Kärnten lebende Künstlerin Lisa Huber gestaltet Holzschnitte von monumentalen Ausmaßen. Eine spezielle, an traditionellen Techniken orientierte Arbeitsweise ermöglicht der Künstlerin, eine ganz eigene, malerische Wirkung in den von Hand abgezogenen Einzelblättern zu erzielen. Die grafisch lineare Zeichnung wird durch eine malerisch und frei anmutende Kolorierung ergänzt. Impulse für Lisa Hubers Holzschnitte sind vorwiegend sakrale oder historisch-literarische Themen. Ihre Vorlagen stammen bevorzugt aus dem Mittelalter und der frühen Neuzeit. Mit ihren Drucken schafft die Künstlerin Neuinterpretationen, die sie in Serien erarbeitet.

In der Burgkapelle ist Lisa Hubers neueste Holzschnittserie in einer installativen Hängung zu sehen. Der Tanz ist Ausgangspunkt für die Arbeiten. Als intensive Auseinandersetzung mit dem Körper und als tiefer Ausdruck des Seins wird der Tanz zum Ursprung für die grundlegenden existentiellen Fragen, die Lisa Huber mit diesem Zyklus berührt. Im freien Fall scheint die Schwerkraft der Tänzerin außer Kraft gesetzt und die Zeit steht still. Es sind Momente komprimierter Intensität, die die Künstlerin in diesen Blättern festhält. Die Burgkapelle liefert als meditativer Kraftort den optimalen Rahmen. Mit der Präsentation schlägt das Museum Moderner Kunst Kärnten eine Brücke zur diesjährigen Kärntner Landesausstellung in Fresach, wo Lisa Huber aus diesem Anlass Fenster und Apsis künstlerisch neu ausgestaltet.

Eröffnung: Mittwoch, 16. März 2011, 19 Uhr

Der Scherenschnitt findet sich in den verschiedensten Kulturen und kann auf eine mehr als tausendjährige Entwicklung verweisen, deren Wurzeln in China liegen. In der europäischen Kulturgeschichte, seit ca. 1600 n. Chr. nachweisbar, erfährt er seine Blüte in den Schattenrissen und Silhouetten des 18. und 19. Jahrhunderts. Danach hat dieses Genre, neben seiner untergeordneten Rolle als Experimentierfeld künstlerischer Ideen, kaum Bedeutung und wird allenfalls im Kunsthandwerk tradiert. Erst in den letzten Jahren hat es wieder an Relevanz gewonnen und rückt zusehend in den Fokus der Aufmerksamkeit des Kunstbetriebs – interessant hinsichtlich seiner immensen gestalterischen Möglichkeiten, derer sich die KünstlerInnen heute in vielfältiger Weise ohne Berührungsängste bedienen und die sie neu interpretieren. Das historische Mittel hat sich von seiner herkömmlichen Erscheinungsart – als kleines, zweidimensionales Schattenbild aus Papier geschnitten – weitestgehend gelöst und hat den Raum erobert, in dem es in einer großen Bandbreite in unterschiedlichsten modernen Materialien, Techniken und Formen, häufig großformatig, realisiert wird: vom klassischen Papierschnitt über Acrylglas-, diverse Kunststoff- und Metallschnitte sowie in textilen Tableaus. Es erscheint entweder als Bildwerk, als skulpturales Objekt oder Installation, raffiniert belichtet und inszeniert, als Schattentheater räumlich projiziert oder als dynamisiertes Bild in Film und Video. Der Scherenschnitt ist im zeitgenössischen Kontext zu einem faszinierenden, eigenständigen Medium avanciert, das die ihm ursprünglich zugeschriebenen Aufgaben der mimetischen bzw. idyllischen Wiedergabe der Gegenstandswelt oder des bloßen ornamentalen Dekorums bei weitem überschreitet und sich nun, jenseits aller romantischen und traditionsbehafteten Vorstellungen, mit neuen Inhalten aufgeladen, als tragfähiges Mittel der kritischen Auseinandersetzung mit aktuellen Fragestellungen von Kunst und Gesellschaft erweist.

KÜNSTLERINNEN: Gabriele Basch, Christian Boltanksi, Ulla von Brandenburg, Felix Droese, Jeanne Faust, Katharina Hinsberg, Werner Hofmeister, Julia Horstmann, Lisa Huber, Gudrun Kampl, William Kentridge, Birgit Knoechl, Philip Loersch, Rupprecht Matthies, Charlotte Mc Gowan Griffin, Melitta Moschik, Olaf Nicolai, Annette Schröter, Stefan Thiel, Kara Walker Die Ausstellung „CUT. Scherenschnitte“ wurde in Kooperation mit der Hamburger Kunsthalle realisiert. KuratorInnen Hamburg: Petra Roettig und Henrike Mund | Kuratorin Klagenfurt: Christine Wetzlinger-Grundnig

Eröffnung: 15. Dezember 2010, 19 Uhr

Ferdinand Penker entwickelt seit den 1970er Jahren konsequent ein geschlossenes Œuvre, das auf der Basis konstruktiver und konkreter Ideen begründet ist und das sich unter dem Einfluss der amerikanischen Farbfeldmalerei und der Minimal Art sowie europäischer reduktiver Tendenzen formuliert. In einem selbstreflexiven Verfahren werden die Malerei, ihre Mittel, ihr Potential und ihre Rahmenbedingungen hinterfragt und stetig erweitert. Das Werk zeichnet sich durch seine analytische Qualität und durch die Kontinuität und Aktualität des Diskurses aus, die dem Künstler eine unikale Position innerhalb der modernistischen österreichischen Malerei einräumen. In den 1970er Jahren ersinnt Penker ein verbindliches Vokabular und eine Methodik, die in der Verfolgung eines Gestaltungsgedankens innerhalb des Werks vielfältig variiert und progressiv forciert werden. Im Mittelpunkt der künstlerischen Arbeit stehen die Linie – die bildnerisch aus der Beschäftigung mit Raum und Architektur abgeleitet wird – und die daraus konstruierte Struktur und das Malen dieser Komponenten. Aus der seriellen Wiederholung identischer Striche bilden sich flächige Ordnungen – abstrakte Komposition als formale Resultate der Methode des spezifisch skripturalen Farbauftrags, homogen, minimalistisch und tendenziell monochrom. Entscheidend ist die Erweiterung der Malerei in den Raum in den 1990er Jahren, die die autonome Entität des Bildes aufbricht und den Radius der Auseinandersetzung expansiv vergrößert. Ferdinand Penker wurde 1950 in Klagenfurt geboren und studierte von 1968-72 in Graz Medizin und Kunstgeschichte. Von 1977-87 hielt er sich in den USA auf und war als Professor an der University of California in Davis tätig. Heute lebt und arbeitet der Künstler in Preding in der Steiermark.

Morbus F., 2010, Installation MMKK Burgkapelle, Foto: Arnold Pöschl

25 abstrakte Blätter, die auf eisernen Objekten präsentiert sind, bestimmen als „monochrome Ebenen“ den Raum. Die Stützen erinnern an Schreibpulte mittelalterlicher Skriptorien und verweisen auf die präzise und monotone Tätigkeit der Mönche, die über Jahrhunderte die Weitergabe abendländischen Kulturgutes sicherte. Die Blätter selbst zeigen abstrakte Oberflächen, die mit dem Steinboden der Burgkapelle assoziierbar sind. Sie sind in Temperafarben ausgeführt, deren Pigment Ferdinand Penker selbst aus grauem Schiefergestein in Wales gewonnen hat. Mit dem Titel nimmt der Künstler zum einen auf die Namensgleichheit – F. steht für Ferdinand – Bezug, die er mit jenem Künstler teilt, der einst in spätbarockem Prunk die Wände der Burgkapelle mit illusionistischen Fresken ausgestattet hat: Josef Ferdinand Fromiller. Zum anderen definiert Penker sich selbst, den Namenskollegen und im Grunde den Künstler per se, als einen Menschen, der durch einen geradezu obsessiven Gestaltungswillen charakterisiert ist und daran gleichsam wie an einer Krankheit (lat. morbus) leidet. Daraus lassen sich die Fülle malerischen Ausdrucks erklären, die Akribie, mit welcher der Künstler seine Kunst verfolgt (bis hin zur Herstellung der Malmittel selbst), und der Zwang, sein Werk stetig abzuwägen und in einem selbstreflexiven Prozess zu diskutieren. Dieser Morbus führt den Künstler zu einer Malerei, die immer wieder aufs Neue beginnt, die immer weiter fortsetzbar und somit nie zu Ende ist.

Der Heimatbegriff hat sich im Laufe der Zeit ständig verändert – von seiner ursprünglichen Definition als geografischer Raum, seiner rechtlich relevanten Bedeutung in Beziehung auf Eigentum und Besitz, über seine romantische Definition, von seiner Wandlung vom privaten zum politischen Begriff bis zur ideologischen Belegung und emotionalen Aufladung – und ist so selbst zu einem Instrument der Spiegelung historischer, sozialer und psychischer Prozesse geworden.

Die Ausstellung Heimat | Domovina soll einen zeitgenössischen Diskurs zum Begriff Heimat liefern. Anhand der Arbeiten von 16 KünstlerInnen aus Kärnten und Slowenien soll eine aktuelle Bestandsaufnahme und Prüfung des Begriffs vorgenommen werden. Die Ergebnisse sind in allen Bereichen – im privaten, gesellschaftlichen, historischen und politischen – angesiedelt und ergeben ein weites, heterogenes Spektrum an möglichen Zugängen zum Heimatbegriff am Anfang des 21. Jahrhunderts, das durch Globalisierung, Multikulturalismus, Mobilität, Entortung und Migration gekennzeichnet ist. Zugleich führen die Arbeiten vor, was Heimat für den Einzelnen bedeuten kann, welche Probleme, aber auch welche Vorzüge damit verbunden sein können, was das Individuum bewegt, herausfordert und Kritik provoziert, aber auch was Vertrauen und Sicherheit vermittelt und Sehnsüchte erzeugt. Insgesamt stellt sich die Frage nach einem zeitgemäßen Verständnis von Heimat abseits der territorialen Bindung und nicht zuletzt danach, wie man mit einem Begriff umgeht, der einerseits in unserer Geschichte aufs Schrecklichste missbraucht wurde und der andererseits heute, in einer vernetzten, grenzenlosen Welt, beinahe obsolet ist.

KünstlerInnen: JOSEF DABERNIG | INES DOUJAK | WERNER HOFMEISTER | IRWIN | CORNELIUS KOLIG |ERNST LOGAR | INA LOITZL | EVA PETRIČ | TADEJ POGAČAR | MEINA SCHELLANDER | NICOLE SIX & PAUL PETRITSCH | NIKA ŠPAN | JOCHEN TRAAR | PETRA VARL | INGE VAVRA | REIMO WUKOUNIG

Installation im Rahmen von HEIMAT | DOMOVINA in der Burgkapelle

fokus sammlung ist der Titel einer neuen Ausstellungsreihe, die regelmäßig die Sammlungsinhalte unter wechselnder thematischer Schwerpunktsetzung und durch eine spezifische Auswahl von unterschiedlichen Blickpunkten her durchleuchtet. Indem die Werke immer wieder in ein neues Bezugsfeld gestellt werden, soll die Sammlung abwechslungsreich und umfassend in ihrer Vielfalt und Qualität ausgelotet und, entsprechend ihrem Wesen, als dynamisch und sich stetig verändernd dargestellt werden. Zugleich unterzieht sich das Museum einer ständigen Reflexion seiner zentralen Aufgabe.

Die aktuelle Schau befasst sich mit Malerei und Zeichnung, mit dem Verhältnis beider Gattungen zueinander und mit ihrer Entwicklung in den vergangenen 150 Jahren, die anhand ausgewählter, vielfach nie zuvor ausgestellter Werke von 17 Künstlerinnen und Künstlern mit differenten methodischen und thematischen Ansätzen aufgezeigt wird. Die Gattungen sind in der ganzen Bandbreite ihrer Möglichkeiten, vom Hilfswerkzeug der mimetischen Abbildung bis hin zum autonomen, selbstreferenziellen Mittel, im naturalistischen, gegenständlich-figurativen, abstrahierenden und im gegenstandslosen Gestaltungszusammenhang vorgeführt. Zugleich wird die Sammlung durch das didaktische, chronologische Konzept kunsthistorisch beschrieben und die überregionale Relevanz der Tätigkeit der Kärntner Künstler und Künstlerinnen unterstrichen.

KünsterInnen: Hans Bischoffshausen | Hans (Jean) Egger | Bruno Gironcoli | Giselbert Hoke | Wolfgang Hollegha | Gustav Januš | Anton Kolig | Kurt Kocherscheidt | Alois Köchl | Peter Krawagna | Maria Lassnig | Franz Yang-Močnik | Valentin Oman | Hans Staudacher | Franz Wiegele | Ludwig Willroider | Reimo Wukounig

In der künstlerischen Arbeit von Sabina Hörtner geht es um den Raum als komplexes kulturelles Gefüge, aber auch um individuelle, persönliche Verhältnisse. Die Künstlerin bezieht sich auf die konkrete räumliche Struktur ebenso wie auf soziale, politische, historische Definitionen. Die Intervention setzt an der Schnittstelle der divergenten verräumlichten Diskurse an und definiert zugleich den Raum neu. Ausgangspunkt der Installation, die mit den Bezugspunkten von Licht, Farbe und Raum agiert, sind die flüchtigen, sinnlichen Bilder, die durch die Reflexionen des einfallenden Tageslichtes entstehen. Sie sind in einer Sequenz von sechs Handzeichnungen festgehalten, die Zeit- und Raumkomponenten am zweidimensionalen Blatt konzentriert. Diese Illusionen sind Teil des räumlichen Konzeptes einer begehbaren Bühne, die die Werke sowie die Betrachtenden emporhebt und aufwertet, sodass sie der barocken, sakralen Scheinmalerei auf Augenhöhe begegnen und, wie im Theatrum mundi, Teil des Geschehens werden. Die Künstlerin setzt dem Kirchenraum und der illusionären Malerei eine zeitgemäße, profane, konkrete Konstruktion entgegen, die in Relation zu den Konnotationen des Raumes steht, sich auf seine Form- und Farbgebung bezieht und die, in ihrer reduzierten Strenge und symmetrischen Ordnung, einen deutlichen Gegenpol zur Barockmalerei und ihrem visionären Inhalt darstellt, diese dechiffriert und konterkariert.

Die Ausstellung zum Werk von Herbert Boeckl zeigt einen Überblick über fünfzig Jahre moderne Kunstproduktion. Trotz der gravierenden Zäsuren zweier Weltkriege konnte der aus Kärnten stammende und in Wien lebende Maler kontinuierlich über Jahrzehnte hinweg sein Projekt einer Moderne entwickeln, die aus der mitteleuropäisch-mediterranen Tradition schöpft. In mehreren Werkphasen spannt sich so ein reiches Spektrum von der Linienkunst der Wiener Secession über die Rezeption der Kunst Paul Cézannes in den 1920er Jahren und den expressiven Realismus der 1930er Jahre bis hin zur kubistisch inspirierten Farbflächenmalerei der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg. Mit den frühen Kärntner Landschaften, den Bildern zur "Anatomie" aus 1931 und den großen Zyklen der Zeit nach 1945 zeigt die Schau eine Reihe von Höhepunkten dieses überaus kompexen Œuvres. Es verbindet die Ideale der klassischen Moderne der Zeit von Egon Schiele und dem frühen Oskar Kokoschka quer durch die internationale Krise der Avantgarden in den 1930er und 1940er Jahren mit dem Beginn der "globalisierten" Kunstproduktion in den 1960er Jahren. Als Akademieprofessor und einlussreiche Persönlichkeit des Kunstbetriebs im Ständestaat und in der jungen zweiten Republik verband Boeckl als einer der wenigen offiziell anerkannten und gewürdigten modernen Maler Österreichs stets den heimischen Kunstbetrieb mit den internationalen Entwicklungen. Mit dem Wandbild im Dom von Maria Saal, dem großen Altartriptychon und den Fresken in der Benediktinerabtei Seckau leistete Boeckl zudem bedeutende Beiträge zur modernen Sakralkunst.

Das Elementare des Lebens, der Kreislauf von Entstehung, Wachstum und Verfall, der vor allem an den Oberflächen von Körpern sichtbar wir d,bildet einen zentralen thematischen Rahmen in Marlies Liekfeld-Rapettis Kunst, ihre Lebenserfahrung als Frau, den Hintergrund. Als Ausgangsmaterial für ihre plastischen Arbeiten dient Papier. In Flüssigkeiten getränkt und geschichtet, vermag es die haptischen Qualitäten, die Fragilität und Verletzlichkeit von Haut zu transportieren. Mit diesem Werkstoff gestaltet die Künstlerin „Leibhautkleider“, „Körperschalen“ und „Mumis“. Die Entwicklungen im Bereich der Molekularbiologie, allen voran das erstmals erfolgreiche Klonen eines Säugetieres im Jahr 1996, führte die Künstlerin zur Beschäftigung mit der möglichen Einflussnahme auf die natürlichen Abläufe des menschlichen Lebens. Aldous Huxleys Roman „Schöne neue Welt“ aus den 1930er Jahren, in dem die Züchtung und Manipulation von Menschen als düstere Vision in Aussicht gestellt wird, wurde schließlich zum Impuls für eine künstlerische Aufarbeitung und der Entstehung von Fruchtblasen.

In der Installation „Zucht“ in der Burgkapelle setzt Marlies Liekfeld-Rapetti die plexigläsernen Gebilde mit anderen Werkgruppen in Verbindung und dringt so noch tiefer in die Thematik ein.

Im Mittelpunkt der diesjährigen Herbstausstellung im Museum Moderner Kunst Kärnten steht die zeitgenössische Fotografie in Österreich. Mit dem Fokus auf FotokünstlerInnen, die aus Kärnten stammen oder bereits in der Sammlung des Museums vertreten sind, sowie jungen FotokünstlerInnen aus Österreich, gibt die Ausstellung einen Einblick in aktuelle Positionen. Arbeiten von AbsolventInnen der Fotoklassen an der Wiener Akademie der bildenden Künste sowie an der Universität für angewandte Kunst werden in Dialog zu bereits arrivierten FotokünstlerInnen gestellt. Ebenso werden medienübergreifende Arbeiten in den Bereichen Skulptur, Video und Film einbezogen.

Die Themen, die in der Fotografie aufgegriffen werden, reichen von Darstellungen einer vernetzten, globalen Welt durch Hubert Blanz über aktuelle gesellschaftspolitische Bezüge, wie sie Lukas M. Hüller, Borjana Ventzislavova oder Katharina Gruzei ins Bild setzen, bis hin zu neuen Zugängen zur Landschaft und zum Porträt, zu sehen u.a. in den Arbeiten von Jutta Strohmaier oder Markus Guschelbauer. Vielfach ist der Zugang der FotokünstlerInnen zum Thema auch verbunden mit einem performativen Agieren vor der Kamera, wie bei Anja Manfredi oder Nina Rike Springer. Der leicht ironisch-kritische Bezug mancher Arbeiten steht im Kontext einer sensiblen Wahrnehmung der Realität. Gemeinsam ist vielen Arbeiten die Tendenz zu einer installativen Inszenierung der Fotografie.

Gottes Haus ist eine raumbezogenen Installation der Bildhauerin Katalin Deér. Die aus Palo Alto, USA, stammende Künstlerin lebt heute in der Schweiz. Ihre Arbeiten, die stets an der Schnittstelle zwischen Fotografie und Bildhauerei angesiedelt sind, stellen eine ideale, dialogische Erweiterung der Fotoausstellung im MMKK dar.

In Kooperation mit MoCAB (Museum of Contemporary Art Belgrad)

In einer bahnbrechenden Ausstellung stellte das Museum zeitgenössicher Kunst Belgrad 2005 nach dem Zusammenbruch Jugoslawiens erstmals das zeitgenössische Kunstgeschehen in Serbien von 1989 bis 2001 vor. Diese Eckdaten markieren die Machtübernahme durch Slobodan Milošević bis hin zum Ende des Regimes und den ersten demokratischen Parlamentswahlen 2001. Das Jahrzehnt unter Milošević war gekennzeichnet von Kriegen, ethnischen Säuberungen und dem sozialen, wirtschaftlichen und politischen Zerfall des Landes. In diesem restriktiven ideologischen Umfeld haben die KünstlerInnen im Untergrund ihre Erfahrungen und ihr politisches Engagement ausgedrückt. Die zentrale Auseinandersetzung kreist um die Frage nach der kulturellen Identität innerhalb der kriegserschütterten Region. In Bezugnahme auf Krieg, Gewalt und politische Unterdrückung begegnen die KünstlerInnen den Grausamkeiten der Macht mit kritischen Statements, die nicht zuletzt von der Hoffnung auf eine Rückkehr in die Normalität getragen werden.

KünstlerInnen: Milan Aleksić, Association Apsolutno, Biljana Đurđević, Uroš Đurić, Adrian Kovacs, Zoran Marinković, Goranka Matić, Era Milivojević, Zoran Naskovski, Vladimir Nikolić, Tanja Ostojič, Neša Paripović, Vesna Pavlović, Bálint Szombathy, Talent, Zoran Todorović, Dragoljub Raša Todosijević, Milica Tomić

Dragoljub Raša Todosijević: Fuxus Piano - You will never play again, 2009, Kunstraum Burgkapelle MMKK

Mit dem Aufkommen neuer Bildtechnologien, den so genannten Neuen Medien, wurden sowohl politische und gesellschaftliche als auch künstlerische Paradigmen in Bezug auf visuelle Systeme verhandelt. Seit der Mitte der 1980er Jahre nimmt Peter Zimmermann (Jg. 1956) in seiner künstlerischen Produktion diskursiv Bezug auf die aktuelle Frage nach einer adäquaten Konstruktion von zeitgenössischer Kunst. In seinem Schaffen, das hier einen Zeitraum von etwa zwanzig Jahren zusammenfasst, zeichnen sich zwei reflexive Strategien ab: Die frühen Arbeiten von Mitte der 1980er Jahre bis Anfang der 1990er Jahre basieren vor allem auf dem Konzept des Coverns und der Simulation, wohingegen die zahlreichen seit Mitter der 1990er Jahren entstandenen so genannten Blob Paintings auf einer Mediatisierung der Bildmotive beruhen. Im Zentrum steht das kognitive Wissen um die kulturelle Definitionsmacht visueller Bildpraktiken. Es ist eine Ästhetik der Täuschung, die Peter Zimmermann mittels diverser Simulationstechniken (Covern, Sampling, Remix) umsetzt. Die Materialität und die Sinnlichkeit der Zeichen geben sich als Elemente des Widerstands gegen eine semiologische Lesbarkeit zu erkennen, und die Bilder erscheinen als verführerisch glänzende Ereignisse, in denen sich der Moment der Kontingenz als ein Paradigma der Moderne vorstellt.

Der in Wien und in Damtschach lebende Künstler Markus Orsini-Rosenberg (Jg. 1961) stellt in seiner Malerei Natur als eine Metapher der Innerlichkeit zur Disposition. Unter dem Titel "Simulakrum"hat er eine Installation mit Landschaftsbildern geschaffen, in deren räumlicher Inszenierung er die historisch illusionistischen Fresken von Josef Ferdinand Fromiller ausblendet. Mit der Verhüllung dieses großformatigen Freskos in der Apsis des ehemaligen barocken Kirchenraums verweist der Künstler die historische Repräsentationsikonographie in ihre Schranken. Er konstituiert den historischen Raum neu und betont dessen strukturelle Eigenschaften. Die Kapelle erscheint nicht länger als Ort barocker illusionistischer Inszenierung von Macht und Politik, sondern als Ort der verborgenen Erinnerung, an dem die Transformation von Illusion und Täuschung vollzogen wird.

Mit fast 100 Werken zeigt die Retrospektive einen repräsentativen Querschnitt des Œuvres Arnulf Rainers, der international zu den wichtigsten Vertretern der Moderne zählt. Die Ausstellung beginnt mit den frühen, gestisch abstrakten „Zentralisationen“, die Arnulf Rainer 1951 im Klagenfurter Künstlerhaus ausgestellt hat. Mitte der 1950er Jahre beginnt Rainer mit dem Zyklus der Übermalungen, die er auch auf Werken von Freunden und historischen Grafiken vornimmt. Die Bearbeitung von Fotovorlagen stellt eine zweite grundlegende Form der Überarbeitung dar. Ende der 1970er Jahre folgen die Totenmasken, die Fingerschmierereien, die Kreuzbilder und Tondi. Immer wieder greift Rainer die Themen Tod und Religion auf, die er in einer spannungsvollen Verflechtung von Form und Inhalt inszeniert. In seiner Kunst eröffnet er eine profilierte und radikale Auseinandersetzung mit der österreichischen Tradition und dem europäisch-amerikanischen Diskurs der Moderne.

Pepo Pichler (Jahrgang 1948), der zwischen St. Margarethen und San Francisco pendelt, hat eigens für die Burgkapelle die Installation Jacob’s Nightmare konzipiert. In dem ehemals sakralen Kapellenraum inszeniert er sehr eindrucksvoll, unter Bezugnahme auf aktuelle weltpolitische Ereignisse, eine künstlerische Erzählung von der sich selbst generierenden Kraft des Bösen und menschenverachtender Gewalt. Im Unterschied zu der alttestamentarischen Geschichte gewinnt das Böse die Überhand; aus Symbolen der Erkenntnis und Einsicht werden Mordinstrumente, die eine Fortsetzung von Krieg und Gewalt festschreiben. Nonchalant setzt Pepo Pichler in die religiöse Ikonografie der Kapelle den „Geburtentisch“, auf dem sich der Prozess der Verwandlung vollzieht. Der Stein, mit dem einst Kain seinen Bruder Abel erschlug, transformiert sich in eine moderne Handfeuerwaffe. Die Leiter, die einst Jakob im Traum erschien, generiert nicht Erkenntnis, sondern Gewalt in Form von Handgranaten und Maschinengewehren. Der Reliquienschrein steht als eine glänzende, spiegelnde Verherrlichung der Todesmaschinerie Krieg, die als Trophäe einen „Bodybag“ in sich birgt, ein Leichentuch, das jeder Soldat in seinem Rucksack trägt.

Das Museum Moderner Kunst Kärnten ist das Herzstück dieser Großausstellung mit einem Überblick über die Kunstentwicklung von 1945 bis heute. Der Aufbruch zur abstrakten Malerei wird u. a. mit Werken von Hans Bischoffshausen, Johann Fruhmann, Wolfgang Hollegha, Arnulf Rainer und Hans Staudacher dokumentiert. Anhand von grafischen Arbeiten wird zusätzlich der Weg von der Figuration zur abstrakten Formensprache nachvollzogen.

Beispiele von Skulpturen aus der Meisterklasse Fritz Wotrubas wie von Otto Eder, Arbeiten von Anton Marcolin und dem Hanak-Schüler Othmar Jaindl zeigen den Aufbruch der Skulptur zu einer international beachteten Avantgarde auf. Daran schließt sich die Präsentation jener Kärntner KünstlerInnen an, die nach dem Zweiten Weltkrieg eine Konfrontation mit der internationalen Avantgarde suchten und sich in Wien, Paris und New York niederließen, darunter Hans Bischoffshausen, Kiki Kogelnik und Maria Lassnig. Mit der Übernahme der Meisterklasse für Bildhauerei an der Akademie der bildenden Künste Wien durch den Kärntner Bruno Gironcoli begann eine neue Ära der Skulptur, die mit der Einbindung neuer Materialien und einer Erweiterung und Veränderung des Skulpturenbegriffs einherging. Diese Entwicklung wird anhand einzelner Positionen aus Kärnten dargestellt.

Für die Malerei der 80er- und 90er-Jahre stehen u. a. Giselbert Hoke, Gustav Januš, Kurt Kappa Kocherscheidt, Peter Krawagna, Valentin Oman, Wolfgang Walkensteiner und Reimo Wukounig. Dem folgt ein zeitgenössischer Teil, der von den wesentlichen Tendenzen der 90er-Jahre ausgehend bis in die Gegenwart führt. Arbeiten von Künstlern wie Ernst Logar, Claus Prokop, Heiko Bressnik oder Birgit Pleschberger zeigen die Verschränkung von Skulptur und Malerei mit Fotografie, Film und Installation.

Im Bereich der Skulptur wurden zunehmend textile Materialien zum Ausdrucksmittel einer jüngeren Objektkunst, die etwa durch Künstlerinnen wie Gudrun Kampl, Barbara Bernsteiner und Edith Payer vorgestellt wird. Die Burgkapelle bespielt der Künstler Johannes Domenig mit der Rauminstallation „The Last Support“.

Die künstlerische Arbeit von Johannes Domenig kreist um die Auseinandersetzung mit dem Menschenbild und der menschlichen Existenz an sich. Ohne dabei den Menschen selbst abzubilden, fließen die Dinge des Lebens, die in der Alltags- und Konsumwelt auf seine Existenz verweisen, in das bildhauerische Oeuvre ein. Damit findet auch die Beschäftigung mit der dem Menschen eigenen Spiritualität Eingang im Werk des Künstlers. Die Arbeit "The last support" verweist auf die biblische Szene des Letzten Abendmahls und transformiert das Geschehen ins Jetzt. Durch Domenigs sensiblen Umgang mit dem Material (in diesem Fall durchwegs Plastik), seiner Form und Funktion werden globale Themen wie die Ernährungsproblematik und damit verbunden der Umgang mit Ressourcen, Seuchen, Krankheit und Tod angesprochen. Neben dem Verweis auf Genuss und Überfluss "liegt ein schwermütiger Toch über der Arbeit, aber auch Ironie", so Johannes Domenig. "Doch vielleicht ist gerade sie als Hoffnungsträger zu verstehen."

Das MMKK zeigt Landschaftsbilder aus seiner umfangreichen Sammlung. Mit der Auswahl der Werke wird erstmals eine kleine Geschichte der Landschaftsmalerei in der Kärntner Kunst vorgestellt. Es ist die anhaltende Faszination an der Landschaft, die die Künstler über einen Zeitraum von mehr als 150 Jahren inspiriert hat und bis heute zu immer neuen Bildfindungen anregt. Der Bogen spannt sich vom 19. Jahrhundert bis in die Gegenwart, führt von den romantisierten, auch sakralisierten Landschaften eines Markus Pernhart über die Auflösung der Form bis hin zur vollständigen Abstraktion im 20. und 21. Jahrhundert. In den Werken von Herbert Boeckl, Arnold Clementschitsch, Jean Egger, Sebastian Isepp oder Anton Mahringer bis hin zu den jüngsten Beiträgen von Richard Klammer ist diese Entwicklung sehr schön zu erkennen.

KünstlerInnen: Karl Bauer , Werner Berg, Hans Bischoffshausen, Herbert Boeckl, Arnold Clementschitsch, Jean Egger, Felix Esterl, Maximilian Florian, Franz Grabmayr, Sebastian Isepp, Gustav Januš, Richard Klammer, Maks Koželj, Peter Krawagna, Markus Krön, Anton Mahringer, Markus Orsini-Rosenberg, Eduard von Moro, Hermann Poschinger, Markus Pernhart , Arnulf Rainer, Ernst Riederer, Karl Stark, Erich Trost, Ernst Vollbehr, Maja Vukoje, Egon Wucherer, Ludwig Willroider, Willibald Zunk

Anlässlich der Fußball Europameisterschaft 2008 präsentiert das Museum Moderner Kunst Kärnten im Rahmen des Projekts "Kunst im Spiel" eine Reihe von hochrangigen künstlerischen Arbeiten, Installationen, Fotos und Filme, die das Thema Fußball in unterschiedlichen Facetten künstlerisch sportlich reflektieren. Fußball als Medienereignis, gigantischer Wirtschaftsfaktor und Life-Style-Phänomen besitzt mittlerweile Kultstatus und bietet ein gewaltiges Reservoir, das viele Künstler zur Auseinandersetzung animiert. Spielregeln, konventionelle Abläufe und Zusammenhänge werden mit Witz und Ironie in die künstlerische Perspektive verschoben.

Werke u.a. von Stephan Balkenhol (GER), Stefan Banz (SUI), Werner Büttner (GER), Josef Dabernig (AUT), Stephen Dean (FRA), Manfred Erjautz (AUT), Werner Feiersinger (AUT), Thomas Grünfeld (GER), G.R.A.M. (AUT), Julie Henry (GBR), Gudrun Kampl (AUT), Cornelius Kolig (AUT), Markus Krön (AUT), Maria Lassnig (AUT), Olaf Nicolai (GER), Gabriel Orozco (MEX), Simon Patterson (GBR), Roman Signer (SUI)

Installation in der Burgkapelle des MMKK. Deborah Sengl beschäftigt sich intensiv mit dem Gegensatzpaar Opfer/Täter, bringt es in Verbindung mit Verhaltensforschung und Gentechnologie und nutzt die kulturellen Zuschreibungen und Bedeutungen von Tieren und Menschen. In ihrer Kunst dekliniert sie akribisch und kritisch-provokant die Möglichkeiten und Unmöglichkeiten durch, die sich durch die Verquickung der unterschiedlichen Elemente ergeben. Das Schaf und der Wolf stehen ihr hierfür immer wieder Modell.

Mit 25 anerkannten internationalen Künstlerpositionen der zweiten und dritten Generation nach 1945 werden in der Ausstellung unterschiedliche Konzepte eines abstrakten Bildbegriffs vorgestellt. Es handelt sich um Werke und Inszenierungen, die die Sprache einer heroischen Moderne aufgreifen, im Tonfall jedoch oftmals glatt und unpathetisch ihre Schönheit offen legen.

Die größtenteils erstmals in Kärnten zu sehenden Werke repräsentieren das international beachtete Schaffen renommierter Zeitgenossen. Darunter finden sich die Fotokünstler Andreas Gursky und Wolfgang Tillmanns, der Engländer Tony Cragg, der Amerikaner David Reed, die Österreicher Gerwald Rockenschaub und Heimo Zobernig, die Deutschen Helmut Federle und Günther Förg - um nur einige zu nennen - bis hin zum derzeit wohl bedeutendsten deutschen Künstler überhaupt, Gerhard Richter.

Aus Anlass des 85. Geburtstages des Künstlers zeigt das MMKK eine umfassende Werkschau Hans Staudachers. Er gilt als der wichtigste Vertreter der informellen Kunst in Österreich und ist weit über die Grenzen des Landes bekannt. Seit Beginn der 1950er Jahre arbeitet er konseqeuent in einer gestischen und lyrischen Bildsprache. Die Ausstellung bietet einen Überblick über das Gesamtœvre. Rund fünfzig Gemälde und über zwanzig grafische Arbeiten sind zu sehen, darunter eine beträchtliche Anzahl von Werken, die zum ersten Mal öffentlich ausgestellt werden.

bella ban (geb. 1958 in Klagenfurt) geht mit ihrer Installation direkt auf den Raum der Burgkapelle ein, verwandelt ihn in ein dreidimensionales Bild, einen emotional höchst aufgeladenen Raum, in dem sich Vergangenheit und Gegenwart, spielerische Leichtigkeit und tiefer Schmerz, Glanz und Gewalt verbinden. Als "ästhetische Puristin" ist bella ban die Übereinstimmung von Form und Inhalt bzw. Thema und Material ein besonderes Anliegen. In traum. ein raumbild arbeitet sie mit Glas, einem Material, das die Fähigkeit besitzt, Physisches abzuhalten und gleichzeitig Licht und Blicke durchzulassen. Sie setzt es metaphorisch wie architektonisch ein.

Gudrun Kampl (geb. 1964) nimmt in ihrer Raumintervention Bezug auf den ehemals sakralen Ort, die Burgkapelle, und setzt sich in ihrer barock anmutenden und sehr samtigen und sinnlichen Installation mit Leben und Tod auseinander. „Wenn man über den Tod nachdenkt, musst du das Leben miteinbeziehen“. Es sind die wenigen Augenblicke der wahren Begegnung, die das Leben ausmachen und die vor der Schwelle des Todes ästhetische Dimensionen erleben lassen. Kampls Objekte erzählen von Anfang und Ende, von Auflösung und Wiederkehr.

In Kooperation mit dem renommierten Kölner Privatsammler, Dr. Reiner Speck, zeigt das Museum Moderner Kunst Kärnten erstmals mit Mario Merz (1925 – 2003) und Jannis Kounellis (geb. 1936) zwei Hauptvertreter der ‘Arte Povera’ (arme Kunst). Diese, in den 60iger Jahren in Italien entstandene Kunstrichtung heute zu zeigen, bedeutet nicht nur sie zu aktualisieren und sie uns wieder ins Gedächtnis zu rufen, sondern vor allem auch nach ihrer Gültigkeit zu fragen.

In der Reihe blickwechsel präsentiert das MMKK in regelmäßigen Abständen die Kunstankäufe des Landes Kärnten. Der Fokus liegt vor allem auf neuen Positionen junger Kärntner KünstlerInnen, die allesamt einen repräsentativen Überblick über das aktuelle heimische Kunstgeschehen geben.

Das MMKK zeigt erstmals in Europa eine umfangreiche Werkschau des amerikanischen Malers und Bildhauers Donald Baechler. Baechler, Jahrgang 1956, konzentriert sich in seinen Arbeiten auf ein überschaubares Repertoire von symbolhaften Motiven, die er aus unterschiedlichen Kontexten herausfiltert und in einer ihm eigenen künstlerischen Ausdrucksform umsetzt. Die Offenheit in seinen Arbeiten kommt dem Blick unserer Zeit sehr entgegen und lässt jede Annäherung an sein Werk zu einer interessanten Begegnung werden.

Die international renommierte belgische Künstlerin, Berlinde de Bruyckere, Jahrgang 1964, bespielt mit einem überlebensgroßen Schmerzensmann die Burgkapelle. Die Künstlerin versteht es, traditionelle sakrale Themen in eine zeitgenössische, oft fragmentarische Formensprache höchster Eindringlichkeit zu übertragen. Der Schmerzensmann als ikonographische Skulptur reicht bis ins Mittealter zurück. Im Ambiente der barocken Burgkapelle entfaltet diese Skulptur eine außerordentliche Wirkung.

Das Museum Moderner Kunst Kärnten präsentiert in der Ausstellung NADA knapp 100 Arbeiten des bald 80jährigen Künstlers Giselbert Hoke. Der in Böhmen geborene Künstler wurde 1956 durch die von ihm gestalteten Fresken am Klagenfurter Bahnhof mit einem Schlag bekannt - und zunächst stark angefeindet. Seit 1961 lebt Hoke permanent in Kärnten. Im Zentrum der Ausstellung stehen 22 großformatige Arbeiten auf Leinwand der letzten Jahre, die, bis auf wenige Ausnahmen, noch nie in der Öffentlichkeit gezeigt wurden. Es sind, wie Hoke selbst sagt, "völlig gegenstandslose und namenlose Bilder, deren Motiv das Bild selbst ist..." Sie zeigen eine neue Qualität im Schaffen des Künstlers, überraschen jeden, der seine Arbeiten bis dahin kennt und tragen doch eindeutig seine Handschrift. Kleinformatige, teils - wenngleich nur chiffrenhaft - gegenständliche Bilder auf Papier ergänzen die Gemälde und veranschaulichen Hokes Arbeitsweise. Sie entstammen den Themenbereichen Figur und Landschaft und verdeutlichen seinen Weg zur Abstraktion. Ausstellungskurator und Herausgeber des reich bebilderten Buches zur Ausstellung ist Prof. Dr. Wieland Schmied

Die Tradition der Glaskunst von Murano und die Moderne: Ein von Adriano Berengo durch die Berengo Collection verwirklichter Traum, der heuer sein fünfzehnjähriges Jubiläum feiert. Die Sammlung entstand aus der Begegnung von KünstlerInnen aus der ganzen Welt mit dem Glas. Dieses jahrhundertealte Material verbindet perfekt - durch Glanz, Flüssigkeit und Durchsichtigkeit - Ansprüche und Utopien der zeitgenössischen Kunst. Die poetische Ader der KünstlerInnen, verbunden mit der handwerklichen Geschicktheit der Glasmeister von Murano, ist jener Zauber, der die außerordentlichen, erstmals im Museum Monderner Kunst Kärnten ausgestellten Skulpturen ins Leben rief.

KünstlerInnen: Henrik Allert, Elvira Bach, Luigi Benzoni, Ernst Billgren, Sergio Bovenga, Martin Bradley, Dusciana Bravura, Mark Brusse, Pino Castagna, James Coignard, Reinhoud D'Haese, Erik Dietmann, Paul Flora, Gerda Gruber, Adi Holzer, Ursula Huber, Marya Kazoun, Christoph Kiefhaber, Koji Kinutani, Kiki Kogelnik, Riccardo Licata, Bengt Lindström, Roberto Matta, Aldo Mondino, Irene Naef, Teruo Onuma, Irene Rezzonico, Juan Ripollés, Sandro Sergi, Shozo Shimamoto, Lolita Timofeeva, Imai Toshimitsu, Hannes Van Es, Jan Van Oost, Michel Van Overbeeke, Koen Vanmechelen, Claude Venard, Silvio Vigliaturo, Luciano Zarotti, Robert Zeppel-Sperl, Tatiana Zhurkov

Eine Zeitreise nimmt Sie mit in die Vergangenheit, zurück zu den Anfängen der modernen Kunst in Kärnten. Wir zeigen Ihnen bedeutende Werke aus zwei Jahrhunderten, die in internationalem Zusammenhang stehen. Beispiele der Porträtkunst des 19. Jahrhunderts und der zeitgleichen Landschaftsmalerei mit ihren Hauptvertretern Eduard von Moro, Markus Pernhart und den Brüdern Willroider stehen am Beginn der Präsentation. Der Bogen spannt sich weiter zu markanten Vertretern des Kärntner Expressionismus des frühen 20. Jahrhunderts, wie den Malern des "Nötscher Kreises", darunter Anton Kolig und Franz Wiegele. Die Kunst nach dem zweiten Weltkrieg beginnt in Österreich neu - mit vier KünstlerInnen aus Kärnten: Maria Lassnig, Arnulf Rainer, Hans Bischoffshausen und Hans Staudacher knüpfen an die internationale Kunst an. Der zeitgenössische Kunstdiskurs verlässt die konventionellen Mittel und weitet sich auf kunstfremde Materialien und Methoden aus. Als Teil einer internationalen Bewegung konfrontieren die KünstlerInnen das Publikum mit ihren Denk- und Spielansätzen und machen deutlich: Kunst reicht BIS HEUTE!

Kurator: Univ. Doz. Dr. Arnulf Rohsmann

Das Museum Moderner Kunst Kärnten zeigt in Kooperation mit der Sammlung Essl, Klosterneuburg, Wien eine großformatige Einzelausstellung der international anerkannten Künstlerin Maria Lassnig (geb. 1919). In der Ausstellung liegt der Schwerpunkt der Auswahl auf den Werken aus dem Zeitraum von der Mitte der sechziger Jahre bis 2003. Der Fokus liegt auf der Malerei. Neben den Bildern stellt die Präsentation ihrer Filme und die bisher kaum gezeigten Skulpturen einen weiteren Höhepunkte der Ausstellung dar.

Die ausgestellten Werke repräsentieren zeitlich den Rahmen, in dem sich Maria Lassnig als Künstlerin international positioniert. In ihren Werken reflektiert sie das konventionelle und avantgardistische Bildrepertoire, hinterfragt traditionelle Repräsentationsmuster und Bildgattungen. Die Körper-Bild-Erfahrung erklärt sie sowohl zum Thema ihrer Kunst als auch zum Thema ihrer künstlerischen Praxis. Maria Lassnig setzt sich vor allem mit der Frage nach der Körperrepräsentation, resp. dem ganzheitlichen Körperbild in der Malerei auseinander, das sie insbesondere in ihren Selbstporträts verhandelt. Der eigene Körper wird als Objekt oder Bild erfahrbar, die Grenzen zwischen Bild und Körper werden permanent verschoben. In einer signifikanten Verbindung aus Realität und Fiktion formuliert Maria Lassnig markante und sensible Sinnbilder, die ihre künstlerische Position auszeichnen.

Anlässlich des 20. Todestages zeigt das MMKK eine Retrospektive des Kärntner Künstlers, der zu Lebzeiten vielfach geschätzt, in den vergangenen Jahren etwas in Vergessenheit geraten ist. Im Rahmen seiner künstlerischen Entwicklung hat sich Fruhmann zunehmend der Abstraktion verschrieben, die er mit einem gestischen Informel in Verbindung zu bringen verstand. Seine Kunst repräsentiert die Entwicklung der österreichischen Nachkriegskunst.

Die Ausstellung ist eine Kooperation mit dem Leopold Museum in Wien, kuratiert von Professor Peter Baum und unterstützt von der Witwe des Künstlers, Christa Hauer-Fruhmann, und dem Kunsthändler Manfred Kopriva.

Chiharu Shiota wurde 1972 in Osaka geboren. Ihre künstlerische Ausbildung begann sie in Kyoto, in der Folge hat Shiota einige Zeit in Australien verbracht, bevor sie 1996 nach Deutschland ging, um bei Marina Abramovic zu studieren.

Der ursprünglich sakrale Raum der Burgkapelle stellt den Rahmen für die Installation During Sleep von Chiharu Shiota dar. Raumfüllende Verspannungen, in denen kokonartig eingesponnen ein Krankenhausbett platziert ist, entfalten sich wirksam in den Kräftefeldern des historischen Raumes und füllen die Kapelle zur Gänze aus. In der raumgreifenden Verspannung in der Burgkapelle werden Raum- und Zeitgrenzen miteinander verstrickt. Die historische, barocke, illusionistisch dargestellte Apotheose des heiligen Domitian und die dargestellten Heiligenfiguren erfahren eine Verschleierung durch das gegenwärtige Netz. Das Bett steht im Zentrum des Raumes, verschiebt die bis dato wirksame Ikonographie des Raumes und lässt den Ort mit seiner barocken Freskierung zu einer traumhaften, nur noch schemenhaft zu erkennende Erscheinung werden, die sich hinter den Verspannungen abzeichnet. Von Shiotas Arbeit geht eine bemerkenswerte Kraft aus. Energetischen Feldern gleich bildet das Geflecht aus den gewissermaßen leitenden, ja fast schwingenden Fäden Schilde unterschiedlicher Intensität. Zeit bleibt stehen. In dieser zeitlosen Verstrickung fungiert das Bett als Synonym für Traum, evoziert das Gefühl der Bedrohung und Beengtheit eines Gefängnisses, hinterlässt Erinnerungen an Unterdrückungen von Kirche und Glauben, - an Gefühle, in denen man sich als Individuum über alle Zeiten hinweg verfängt.

In der Ausstellung steht das Verhältnis von Farbe und Raum in den unterschiedlichen Gattungen und Medien im Zentrum. Die Künstler Thomas Baumann, Hans Jacoby, Flora Neuwirth, Peter Pommerer, Robert Schaberl und Esther Stocker thematisieren und reflektieren im Rahmen ihrer aktuellen Kunstproduktion die räumliche Dimension von Farbsetzungen im Raum. Die künstlerischen Beiträge zeichnen sich allesamt durch ihre Offenheit gegenüber konventionellen Praktiken aus. Gattungsgrenzen werden aufgehoben, implizite Bildhierarchien und traditionelle Praktiken der Sinnstiftung unterlaufen und in raumbezogene formale Strukturen übertragen, die eine andere Leseart eröffnen.

In den installativen Inszenierungen werden unterschiedliche Facetten von räumlichen Farbsetzungen vorgestellt: der meditative Farbraum, die bildliche Simulation einer räumlichen Ansicht, der imaginäre Raum, die raumgreifende Papiercollage, der abstrakte Raum im konkreten Raum, der immaterielle Lichtraum und der begehbare Farbraum. Die Installationen erscheinen als dreidimensionale Wahrnehmungsräume, die aufgrund der räumlich evozierten Erfahrung den Betrachter unmittelbar in das Kunstwerk einbinden.

Erstmals in Österreich zeigt das MMKK die erste umfassende Retrospektive von Georg Herold. Herold, geb. 1947 in Jena, zählt zu den erfolgreichsten deutschen Künstlern der letzten zwei Jahrzehnte. In seinen Werken besticht er durch seine individuelle und originelle Kunstpraxis, in der er sich auch kritisch und humorvoll mit den Mechanismen des Kunstsystems auseinandersetzt. Die in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler erarbeitete Werkschau bietet erstmalig einen Überblick über das Heroldsche Oeuvre, gezeigt werden mehr als 70 Arbeiten aus den letzten zwanzig Jahren.

Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher, reich illustrierter Katalog, der einen umfassenden Überblick über das Gesamtkunstwerk gibt. Die Ausstellung ist eine Kooperation mit der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden und dem Kunstverein Hannover.

Herold, geb. 1947 in Jena, zählt zu den erfolgreichsten deutschen Künstlern der letzten zwei Jahrzehnte. In seinen Werken besticht er durch seine individuelle und originelle Kunstpraxis, in der er sich auch kritisch und humorvoll mit den Mechanismen des Kunstsystems auseinandersetzt. Die in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler erarbeitete Werkschau bietet erstmalig einen Überblick über das Heroldsche Oeuvre, gezeigt werden mehr als 70 Arbeiten aus den letzten zwanzig Jahren.

Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher, reich illustrierter Katalog, der einen umfassenden Überblick über das Gesamtkunstwerk gibt. Die Ausstellung ist eine Kooperation mit der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden und dem Kunstverein Hannover.

Elf internationale KünstlerInnen setzen sich mit Architektur auseinander und stellen ihre individuellen Referenzen zur Disposition. Die einzelnen Werke geben einen guten Einblick, wie Architektur subjektiv und künstlerisch wahrgenommen werden kann. Indem sich die KünstlerInnen die Formensprache der Architektur – d.h. Pläne, Modelle und Fotografien von Gebäuden – aus künstlerischer Perspektive aneignen, vereinnahmen sie formale Eigenschaften als auch Konzepte und übersetzen diese in aussagekräftige emotionale bzw. psychologische Metaphern. Einige haben sich zum Ziel gesetzt, die Erinnerung an bestimmte (selbst erlebte oder in der kollektiven Geschichte verankerte) Orte wachzurufen, andere stellen das Medium der Architektur mit seinem Vokabular und seinen Konventionen grundsätzlich in Frage.

Interior View präsentiert eine Reihe von ausgewählten Arbeiten, die sich mit architektonischen Formen, der Wahrnehmung und Projektion in Form zweidimensionaler Flächen (Silke Schatz, Pascal Danz, Clare Goodwin, Catherine Yass) oder anhand der Plastizität der Skulptur (Thomas Schütte, Langlands & Bell, Toby Paterson, Monique Kwist) auseinander setzen und die Beziehung zwischen Gebäude und Mensch, zwischen räumlicher Struktur und Identität sichtbar werden lassen.

Parallel zur Ausstellung Interior View zeigt das MMKK in der zweiten Auflage der Reihe blickwechsel die Kunstankäufe 2004. Jedes Jahr werden neue Arbeiten für die Sammlung erworben. Der Ankauf erfolgt einerseits aus den Mitteln des Bundes, der sogenannten Galerienförderung, mit der Richtlinie zeitgenössische Kunst in österreichischen Galerien zu erwerben. Andererseits werden die Ankäufe über eine Ausschreibung des Landes Kärnten getätigt, wobei eine international besetzte Jury die Auswahl bestimmt.

Künstlerliste: Ute Aschbacher, Alexandra Brandl, Ines Doujak, Sissi Farassat, Werner Feiersinger, Peter Kogler, Robert Kummer, Maria Lassnig, Markus Orsini-Rosenberg, Hans Schabus, Nina Rike Springer, Bernhard Tragut, Maja Vukoje

Die Ausstellung Blickwechsel. Aus der Sammlung n°1 ist der Auftakt einer Ausstellungsreihe, die zukünftig in immer unterschiedlichen Formaten die Werke aus der Sammlung des Landes Kärnten vorstellen wird. In der ersten Auflage steht das facettenreiche Spektrum der Sammlung im Vordergrund. Der Fokus liegt auf der Kunst der Nachkriegszeit, von den 60er Jahren bis heute. Bekannte Namen wie Bruno Gironcoli, Maria Lassnig, Hermann Nitsch und Arnulf Rainer treten in einen spannungsreichen Dialog mit jungen, aktuellen Positionen wie zum Beispiel Hans Schabus, Karin Sulimma und Tanja Widmann. Die unterschiedlichen Medien, Film- und Videoinstallationen neben traditionellen Bildtechniken wie Malerei und Grafik, stellen den Moment der Betrachtung ins Zentrum und laden Sie ein, immer wieder einen Blick zu riskieren und Neues zu entdecken.

„Eremiten-Kosmopoliten“ zeigt an vier Standorten einen Überblick und vertiefende Aspekte zur Entwicklung der modernen Malerei in Kärnten. MMKK – Museum Moderner Kunst Kärnten, Klagenfurt, Burggasse Von den Anfängen bis zum „Anschluss“ Stadtgalerie Klagenfurt, Theatergasse Vom Zweiten Weltkrieg bis zum Staatsvertrag Werner Berg-Galerie, Bleiburg Expressionismus und Melancholie: Werner Berg, Emil Nolde und die Neulandkünstler Museum des Nötscher Kreises, Nötsch im Gailtal

Am Ursprung der Moderne: Kärntner Maler in Paris und am Mittelmeer

Der Titel der Großausstellung bezieht sich auf die typischen Lebensverhältnisse moderner Künstler in diesem Land: Einerseits brachte das Sehnsuchtsbild einer erfolgreichen Karriere in den Weltmetropolen bedeutende Kärntner Maler wie Herbert Boeckl, Jean Egger, Maria Lassnig, Hans Staudacher oder Hans Bischoffshausen dazu, sich in Wien, Paris oder New York niederzulassen. Andererseits verführte die Verheißung einer authentischen künstlerischen Produktion in ursprünglichen Lebenswelten schon seit den Zeiten der bayerischen Brüder Willroider einige bedeutende, außerhalb Kärntens aufgewachsene Künstler wie Anton Kolig, Anton Mahringer und Werner Berg dazu, sich hier anzusiedeln. Neben diesen endgültigen Lebensentscheidungen gab es als drittes Modell typischer Kärntner Malerbiografien auch Künstler wie Franz Wiegele, Arnold Clementschitsch, Ludwig Heinrich Jungnickel, Erich Heckel, Stefan Pichler, Willibald Zunk, Reinhold Krassnig, Arnulf Rainer und Giselbert Hoke, die phasenweise oder zwischen ausgedehnten Reisen, durch kurze oder längere Lebensperioden, zur Kultivierung Kärntens als zweitem österreichischem Zentrum moderner Malerei neben Wien beitrugen. Dieses Kommen und Gehen, diese Migrationsdynamik wird auch im Corporate Design der Ausstellung durch Pfeilmotive ausgedrückt. Die Ausstellung wird von Dr. Agnes Husslein-Arco (Direktorin Museum der Moderne Salzburg) und Univ. Prof. Dr. Matthias Boeckl (Universität für angewandte Kunst Wien) kuratiert und zeigt mit über 400 Leihgaben aus zahlreichen nationalen sowie internationalen privaten und öffentlichen Sammlungen (siehe Liste) erstmals die Hauptwerke der modernen Malerei Kärntens in einem chronologisch und thematisch gegliederten Überblick.

Das Museum Moderner Kunst Kärnten zeigt von 17. Februar bis 18. April 2004 ausgewählte Werke von dreizehn Kärntner Künstler und Künstlerinnen aus der Sammlung Liaunig. Der renommierte Unternehmer Dkfm. Herbert Liaunig, geboren 1945 in Radenthein in Kärnten, hat in den vergangenen vier Jahrzehnten eine bemerkenswerte Kunstsammlung zusammengetragen. Mit insgesamt mehr als 2000 Werken zählt diese zu den umfangreichsten Privatsammlungen Österreichs.

Der Sammlungsschwerpunkt liegt in der Kunst nach 1945, zeitgenössische Malerei, Grafik und Skulptur, vor allem österreichischer aber auch internationaler Künstler. Die zurzeit eingelagerten Arbeiten sollen in Zukunft in einem neuen Museum, das in Neuhaus in Kärnten errichtet werden soll, auf Dauer der Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden. Quasi als Vorausschau bietet nun das Museum Moderner Kunst Kärnten erstmals einen Einblick in die private Sammlung Liaunig. Es wurden 13 Kärntner Künstler und Künstlerinnen ausgewählt, die chronologisch geordnet, jeweils in einem Raum der Ausstellung umfassend vorgestellt werden. Die Künstler und Künstlerinnen repräsentieren fundamentale Positionen der nationalen sowie der internationalen Kunstentwicklung in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Zu sehen sind Werke der österreichischen Nachkriegsavantgarde, von Arnulf Rainer, Maria Lassnig, Hans Staudacher und Johann Fruhmann, der Vertreter internationaler Bewegungen wie Hans Bischoffshausen, der Protagonisten spezieller österreichischer Phänomene wie etwa Wolfgang Hollegha und Kurt Kocherscheidt, Werke der Plastiker Otto Eder und Bruno Gironcoli, Rauminstallationen von Cornelius Kolig und Meina Schellander und zeitgenössische Malerei von Johann Julian Taupe und Johanes Zechner. Im Foyer des Museums Moderner Kunst Kärnten werden - Parallel zur Ausstellung - die Entwürfe für das geplante Museum Neuhaus, die von fünf geladenen Top-Architektenteams ausgearbeitet wurden und die von 5. Februar bis 11 Februar 2004 im Architekturzentrum/ Museumsquartier in Wien ausgestellt sind, präsentiert.

Durch eine konsequente Sammlungsstrategie soll vor allem eine qualitätvolle Sammlung aufgebaut werden und eine ständige Aktualisierung des Bestandes erfolgen. Zugleich wird dadurch ein öffentlicher Bildungsauftrag wahrgenommen, das Schaffen der KünstlerInnen und die Tätigkeit der privaten Galerien – die einen fundamentalen Teil der Kulturarbeit leisten – anerkannt und gefördert. Die aktuellen Neuzugänge der Jahre 2000, 2001 und 2002, die von 37 Künstlern und Künstlerinnen angekauft wurden, werden gemeinsam mit ausgewählten Werken ausgestellt, die von den einzelnen KünstlerInnen bereits in der Sammlung des Landes Kärnten vorhanden sind. Durch dieses Konzept sollen formale und inhaltliche Bezüge zwischen den unterschiedlichen Arbeiten des eigenen Œuvres sowie zu den Werken der anderen KünstlerInnen hergestellt werden. Die Ausstellung soll die Neuerwerbungen als sinnvolle Ergänzungen und logische Erweiterungen des Bestandes darstellen. Ziel der Ausstellung ist, das hohe Niveau der Sammlung, das durch eine seriöse Ankaufstätigkeit konstant gewährleistet wird und werden soll, zu präsentieren. Nicht zuletzt sollen die Neuerwerbungen der interessierten Öffentlichkeit zugänglich gemacht und die Sensibilität für die Wahrnehmung zeitgenössischer Kunst geschärft werden.

Benétik Rudi / Bogner Wolfgang / Bolt Catrin / Bressnik Heiko / Bressnik Uwe / Caroline / Cassini Theres / Druml Helga / Deutschbauer/Spring / Ebner Armin / Gironcoli Bruno / Hoke Tomas / Kampl Gudrun / Kollnitz Roland / Kos Michael / Krawagna Suse / Loitzl Ina / Maier Elke / Michenthaler Burgi / Moschik Melitta / Oman Valentin / Paulitsch Eva / Penker Ferdinand / Petschnig Maria / Pototschnik Ingrid / Reichmann Wolfgang / Russ Fritz / Schabus Hans / Schellander Meina / Schwarz Michael / Sulimma Karin / Traar Jochen / Tschachler-Nagy Gerhild / Tusch Gerold / Weiss-Richter Gertrud / Zechner Johanes / Zobernig Heimo

Das neu eröffnete Museum Moderner Kunst Kärnten zeigt in seiner aktuellen Sommerausstellung die Werke des bekannten amerikanischen Künstlers Alex Katz. Unbeirrt von den abstrakten Tendenzen der modernen amerikanischen Malerei geht Katz seit den 50-er Jahren konsequent seinen eigenen Weg und bleibt der realistischen, figürlichen Gestaltung treu. Und dennoch irritieren uns diese zunächst so einfach und klar wirkenden „Cutouts“ und geben Anlass dazu, die eigene Wahrnehmung der Wirklichkeit in Frage zu stellen.